José Noé Mercado: escribicionista

Flacidez: Filippa Giordano en Bellas Artes

2011-12-06T16:24:00.002-06:00

más allá de polémicas por un espectáculo u otro, de artistas de nuestro gusto o no, el problema central de bellas artes deriva de no contar con un director artístico que se encargue de una programación en determinado sentido, con criterios claros y definidos, que brinde un perfil al teatro y su oferta artística. lo que ahora se hace es una mera asignación de fechas, un llenado de eventos y repartición del foro, en no pocas ocasiones con una motivación administrativa, burocrática, ideática y ocurrente, alejada -y a veces contrapuesta- de un verdadero plan estético, insisto: artístico. acá dejo lo que escribí sobre el polémico concierto de filippa giordano en bellas artes. se publicó hoy en el financiero.

Periódico El Financiero

Martes 6 de diciembre de 2011

Flacidez:

Filippa Giordano en Bellas Artes

x José Noé Mercado

Tan pronto se dio a conocer que la cantante italo-mexicana Filippa Giordano se presentaría en el Teatro del Palacio de Bellas Artes, indignados y puristas líricos pusieron el grito en el Facebook. No concebían que una célebre intérprete crossover, de esencia pop pero que a su manera ha abordado piezas del repertorio clásico, pudiera presentarse en nuestro máximo escenario artístico, donde incluso figuras del canto operístico mexicano no figuran.

El concierto presentaría a Giordano para festejar los 150 años de la Unidad Italiana, en una gala organizada por la Sociedad Dante Alighieri que dirige Giovanni Capirossi, en la que participaría la Orquesta de Cámara de Bellas Artes dirigida por Alfonso Ibarra y el tenor invidente Alan Pingarrón, uno de los ganadores del reality show Ópera Prima transmitido por Canal 22 en 2010.

Las críticas y denuestos, por supuesto, no se enfocaron en el joven mexicano Pingarrón y en su discapacidad que en un escenario inevitablemente despierta reacciones emocionales, sino en la raíz pop de Filippa Giordano y en el porqué las instituciones culturales facilitaban Bellas Artes, sin siquiera una renta de por medio, para esta gala.

No fueron pocos los insultos que en redes sociales se lanzaron contra la cantante siciliana ahora avecindada en Puerto Vallarta, por buena parte de la comunidad lírica mexicana. Incluso la que vive fuera del país. Y no faltó quien aseguró que acudiría a sabotear el concierto, abuchearía a Giordano o le arrojaría tomates en muestra de desaprobación y rechazo.

No en demasía, pero algunas voces especializadas también esgrimieron argumentos a través de la prensa. En entrevista, yo expresé que la cantante no contaba con las credenciales vocales y artísticas necesarias para presentarse en lo que debería ser un recinto emblemático que presente lo más granado del arte nacional e internacional. Lo que igual no significa nada porque al parecer esas credenciales últimamente ya no son requeridas en Bellas Artes, a juzgar por algunos espectáculos albergados de mediocridad insoportable como OperAérea.

Toda esta introducción para consignar que este 26 noviembre la Gala con Giordano se celebró sin novedad que interrumpiera el festejo de la comunidad italiana en nuestro país y la relación entre Italia y México. Cero abucheos, cero tomates, cero rastro de aquellos inconformes de red social que ilustran el viejo y conocido refrán del perro que ladra y que dejan al descubierto el músculo flácido de la comunidad lírico-musical para oponer discursos razonables y acciones congruentes a los designios oficiales con los que no están de acuerdo.

Filippa Giordano mostró una dignidad como cantante que no puede discutirse y un respeto por el recinto y el público asistente que algunos intérpretes clásicos a veces no muestran con poco estudio, sin talento y sin saberse la partitura, fogueándose, sin entrega artística o con un canto de dudoso gusto. Giordano no hizo nada pop y se apegó al estilo de la tradición lírica, si bien su voz es diminuta, microfónica, y la técnica no le alcanza para resolver del todo las obras que decidió abordar: Ave María de Schubert. duetos de Non ti scordar di me, Don Pasquale y Traviata, además de arias de Adriana Lecouvreur, Gianni Schicchi y Suor Angelica. Giordano no es un prodigio vocal ni lo será, pero no se expuso al desfiguro y lo que cantó lo hizo con afinación y musicalidad.

En cambio, Alan Pingarrón, quien llevó el peso del concierto con fragmentos de La travata, L’elisir d’amore, Tosca y Turandot, presentó un canto emotivo pero lleno de defectos, tendiente a la desafinación, al fraseo irregular y, lo que es peor, con su afán de imitación de Luciano Pavarotti. Querer sonar a Pavarotti, por cierto, no equivale a serlo y ni siquiera a parecerlo. Como tampoco es ni parece un gran chef quien sólo prepara Maruchan’s o, por su sencillez, su equivalente operístico: Toscas, Butterflies o Cavallerias y Pagliacci’s, que es lo que viene ahora en Bellas Artes.

Siete notas del Cervantino 39

2011-10-31T16:27:00.000-06:00

Coloco acá la primera parte de mi crónica del 39 Festival Internacional Cervantino. Ilustro con algunas fotografías que tomé de la ciudad de Guanajuato. Pronto la segunda parte. Ésta salió en El Financiero del viernes. La dejo tal cual. Eso.

Periódico El Financiero

Viernes 28 de octubre de 2011

Efímero enjambre fónico de tintes macrobióticos y zen

Siete notas del Cervantino 39

x José Noé Mercado

Una piedra más en el piso de estas pintorescas y coloniales callejuelas y el sistema de amortiguación de mis rodillas habría colapsado. He recorrido Guanajuato, ciudad de plazas, callejones, túneles y declives, para comprobar, de alguna manera, que aquí todo sigue igual y a la vez distinto para esta 39 edición del Festival Internacional Cervantino (FIC).

A diferencia de años recientes, ahora hay un énfasis particular en la oferta musical de esta fiesta del espíritu, cuyo eje temático discurre sobre Los dones de la naturaleza, que tiene como invitados de honor a Dinamarca, Suecia, Finlandia, Noruega y el estado de Nayarit, y un nada despreciable presupuesto de 122 millones de pesos aportados por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, los gobiernos estatal y municipal y la Universidad de Guanajuato.

Como suele suceder, la atención principal no se centra en algunos artistas de semáforo que apenas si ganan su vida diaria con números básicos que no conmueven a los automovilistas en tránsito ni mucho menos a los habitantes que van de un lado a otro para cumplir su cotidianeidad, sino que habrá de repartirse en los 1805 artistas de 29 países, 347 funciones y 70 actividades académicas que conforman este FIC a celebrarse del 12 al 30 de octubre.

Decido que mi zona base será la Plaza de la Paz. De ahí, casi todo quedará cerca. Aquí, el ajetreo -casi todo producido por artistas invitados y organizadores y sus respectivas amistades o parentelas; gente de prensa y uno que otro visitante “real”-, es más evidente que en la periferia. Tuiteo. Tomo algunas fotografías y las subo a Fecebook. A partir de ese momento, comparto instantes del FIC a mis contactos, quienes van comentando. Así, en medio de la muchedumbre, encuentro cierta intimidad retroalimentada.

La noche del jueves 13 acudo al Teatro Juárez. El Théâtre des Bouffes du Nord presenta la primera de tres funciones de A magic flute, versión libre de Peter Brook, Franck Krawczyk y Marie-Hélène Estienne de la célebre ópera de Wolfgang Amadeus Mozart. Es a piano y con una escenografía sencilla con base en varas flexibles, aparentemente monótona pero que tiene la virtud de transformar y aludir: que sugiere.

La adaptación es de naturaleza teatral. Las voces de Roger Padullés, Antonio Figueroa, Julia Bullock, Malia Bendi-Merad, Dima Bawab, Virgile Frannais, Patrick Bolleire y Jean-Christophe Born, son correctas, musicales, pero carecen de espectacularidad lírica. Lo que resulta altamente valioso es la manera en que desgranan la historia, sus simbolismos, y dejan la esencia de esta trama de acentos masónicos. La partitura tampoco está íntegra, pero contiene lo fundamental. La música que se ha dejado en esta versión es más que suficiente. Los pasajes más vistosos están reinterpretados, con dinámicas de tiempo, fraseo y humor que redescubren el significado y el valor sonoro del libreto. Este espectáculo constituye un ejemplo de cómo puede hacerse ópera con pocos recursos, con un trazo escénico creíble, de naturaleza portátil.

Al salir a la calle el ruido es casi insoportable. A lo lejos música de mariachi se mezcla con la de banda y la electrónica. Gente canta y grita entre copas. Otra transita rumbo a restoranes, bares y, los que tienen otra onda, a sus hoteles. Algunos hacen parada en algún Oxxo para adquirir preservativos.

Viernes 14. En las calles no es raro observar vehículos que en el parabrisas portan el letrero de “Oficial” y un número de identificación. Felipe, el chofer de uno de ellos, me asegura que “dinero llama dinero. Con el FIC los que en verdad ganan son los grandes empresarios, los hoteleros y restauranteros, además del gobierno”. A él lo han contratado temporalmente. “No es mucho lo que nos dan por el apoyo que brindamos, cinco mil pesos, pero son buenos, porque muchos de nosotros no tenemos chamba y eso nos aliviana para llevar algo de comer a la familia”. Felipe acarrea artistas: de su hotel al recinto en el que habrán de ensayar o presentarse y viceversa. Ni él ni el anfitrión asignado para atender a ese grupo tienen planeado asistir a los eventos porque “el trabajo es demandante, no queda tiempo para más”.

Me consta que a los artistas los atienden incluso hasta el empalago. De pronto pienso en lo mucho que eso contrasta con lo que me tocó presenciar el domingo 9 de octubre, pero en el Museo Nacional del Virreinato, dirigido por Cecilia Genel Velasco, en Tepotzotlán. Ahí la moneda corriente fue el trato áspero e indigno a la investidura artística representada por el Ensamble de Música Antigua de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, que ofreció un concierto de repertorio virreinal como parte del IV Encuentro Universitario de la Canción Mexicana, no sin toparse con burocratismo y escasa voluntad de cooperación, ya sea para aparcar, montar instrumentos, acceder (y salir) libremente al recinto, instalar tripiés, recibir una extensión eléctrica, grabar y documentar el evento. Para brindar su arte. Reprobable la altanería con la que ese grupo de jóvenes fue tratado. Acá en el FIC los anfitriones son tan amables y atentos que rozan el concepto del stalker.

En la sala Hermenegildo Bustos de la Universidad de Guanajuato hay un muestra multidisciplinaria que me interesa presenciar. Se trata de la exposición De ser árbol de la artista plástica Sandra Pani. Durante la inauguración se estrenará una obra musical compuesta ex profeso para la ocasión por Mario Lavista, quien igual tocará un thai-gong y acompañará una interpretación del flautista Horacio Franco, la chelista Bozena Slavinska y la soprano Verónica Murúa, a quienes se suman seis copas de cristal.

La obra de Pani sombrea sobre blanco una idea corporal de transformación, acaso inacabada y continúa, en estructura arbórea, en organicidad humana y naturaleza contemplativa. La música de Lavista intenta propiciar un ambiente cuya dimensión sonora pueda atestiguar y cobijar una trasmutación sin más bordes que la vitalidad posible a través del tiempo y el espacio. Las voces de las copas, el gong, la flauta, el chelo, la de Murúa, utilizada como recurso expresivo de sonoridad y no como oficiante de un canto tradicional, lograron un curioso, enigmático y efímero enjambre fónico de tintes macrobióticos y zen.

Sol

En la Plaza Juárez y en los restoranes circunvecinos, desde donde puede verse el Pipila de piedra y el funicular ascendiendo y descendiendo, departen personajes del ámbito cultural mexicano. Directores de orquesta, compositores, editores, curadores, periodistas. Por alguna razón, trato de evitarlos, como si me conocieran.

Me dirijo al Templo de la Compañía a un homenaje que se le rinde al compositor, pianista y pedagogo nayarita Ramón Serratos, fallecido en 1973. Arturo Uruchurtu brinda al piano una interpretación elegante, transparente y equilibrada de diversas piezas, entre ellas Barcarola, Vals en fa sostenido menor y las Variaciones sobre los temas de A la orilla de un palmar. El programa es completado por la voz de la soprano Lucía Preciado quien, acompañada al piano por Andrés Sarré, aborda los ciclos De Julieta a Romeo y Esta tarde mi bien. La cantante hace un buen esfuerzo, aunque su instrumento no puede evitar cierta emisión capretina en su vibrato.

Es complicado encontrar un taxi libre. Y me urge uno, si es que quiero llegar al Auditorio de Minas. Cuando al fin subo a uno, mi petición de que vayamos lo más rápido posible se diluye en el tránsito pesado de la tarde. Me conformo a llegar tarde, a no llegar a la ópera Arrasados de Rogelio Sosa. Por fortuna, la función también inicia tarde y logro acomodarme en mi butaca, entre una mayoría de gente muy joven, la única capaz quizás de aventurarse con este tipo de obras.

Arrasados es una adaptación de Sosa y Anajosé Aldrete a la obra de teatro Blasted de la inglesa Sarah Kane. Es una trama llena de onanismo, violencia, rabia, armas de fuego, violaciones y demás aires contemporáneos. Es una propuesta que asume el riesgo de salirse de Puccini y todo lo tradicional y que se entreteje con sonidos electroacústicos y una virtuosa exploración vocal pocas veces frecuentada en la historia operística mexicana. El punto más fuerte de esta obra es justamente la capacidad para buscar la mayor expresividad vocal a través de cierto canto, pensamientos obsesivos sonoros, preocupaciones que se reflejan en sonidos estomacales o ambientes esquizofrénicos. La cantante Carmina Escobar mostró a través de la potencialidad de su instrumento que la voz no se agota en traviatas, bohèmias y demás obras del repertorio típico. Lo mismo hay que decir de Juan Pablo Villa y del propio Sosa.

La debilidad mayor de esta ópera estructurada en cinco actos es un libreto largo, que constantemente pierde el foco dramático, que se extiende innecesariamente por redundancias y nudos en la trama que no van directamente a una resolución. Las actuaciones flojas, igualmente, debilitaron la impresión de personajes que deberían interpretarse con fuerza, si se aspira sintonizar con el contenido de la obra.

Ya evito taxis, en el tránsito casi paralizado de la noche. Camino. Respiro el viento helado. Avanzo con mayor velocidad que los microbuses que van hacia el centro. Llego a la Alhóndiga de Granaditas a un concierto de Carlos Núñez y la Banda de gaitas del Batallón de San Patricio, que hace bailar a un público francamente ilusionado.

Núñez es bueno, aun si se considera que su sonido es más pop que celta. Interpreta piezas célebres, incluidas algunas mexicanas como el Huapango de Moncayo. Pero luego exagera, a mi juicio. Casi dice que el mundo ha girado en torno a la gaita, que el hombre desciende de ella. El espectáculo termina por aburrirme, aunque en cualquier caso espero hasta el final, mientras actualizo mi Facebook. Tuiteo que pronto estaré de regreso. Que veré la ópera Il Postino de Daniel Catán, a la soprano Virginia Tola, a Anonymous 4 y, desde luego, a la coreana Sumi Jo. Eso será durante la tercera semana del FIC. Pero no sé. Ya veremos.

Butterfly, la renegada

2011-10-26T13:41:00.001-05:00

Fotos: Lázaro Azar

He estado escribiendo varios textos. Ésa es la razón principal de que no actualizara este blog en los últimos días. Pronto más detalles sobre eso que he estado escribiendo. Por ahora, coloco mi texto sobre la Madama Butterfly que se presentó hace unas semanas en Bellas Artes. Se publicó ayer en El Financiero. Eso.

Periódico El Financiero

Martes 25 de octubre de 2011

Butterfly, la renegada

x José Noé Mercado

Madama Butterfly de Giacomo Puccini ocupa el octavo lugar entre las óperas que más se representan actualmente a nivel mundial. Superado su fracaso inicial en Milán, en 1904, esta obra que cuenta con libreto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa se impuso como una de las más gustadas del catálogo lírico y es llevada a la escena una y otra vez, temporada tras temporada en todo el planeta, hasta convertirla en una trillada y escasamente novedosa muestra del anquilosamiento y conformismo estético que padecen algunos sectores operísticos.

Ello, en fusión con la modorra lírica propia de la Compañía Nacional de Ópera, agazapada en fórmulas de programación y conformación de elencos sin mayor destello desde hace tiempo, hace una obviedad que again, one more time, se recurriera a Butterfly para presentarla en una nueva producción en el Teatro del Palacio de Bellas Artes, con funciones los pasados 18, 20, 22 y 25 de septiembre.

El principal interés de este montaje, surgido por una aparente relectura de la directora de escena y diseñadora de escenografía Juliana Faesler a la historia de la renegada japonesa Cio-Cio San, en el fondo terminó por diluirse porque más que una reinterpretación válida, polémica o incluso escandalosa, ofreció una inocultable especulación a la trama, al libreto y a la esencia (in)moral del personaje de Pinkerton.

De turista sexual en Japón (¿alguien duda que eso es Pinkerton, antes que oficial de la marina norteamericana?: “un teniente cachondo y medio pervertido”, califica Octavio Sosa en el programa de mano), traspatio de sus correrías donde contrae un matrimonio banal y embaraza a la gringófila y boba Butterfly con engaños amorosos de por medio, al final pasa a ser un viejo en silla de ruedas y atormentado por su actuar en aquella aventura de juventud, lo que alivia suicidándose de un tiro. Esto último, por cierto ya reniego de Faesler a lo firmado por Puccini, empequeñece el harakiri de Butterfly con el que buscó recuperar su honor y el final intenso y dramático con el que cierra la obra. A Pinkerton lo ennoblece, le crea sentimientos política y moralmente correctos y lo redime.

Las sopranos Violeta Dávalos y Maribel Salazar alternaron en el rol protagónico. Dávalos brindando un personaje porfiado en sus afectos, de gran intensidad, con una emisión creciente en calidad durante la función, aunque de fraseo corto, interrumpido por excesivas respiraciones y ataques de forte para arriba, más propicios para el fuaaa, que para darle matices y colores a la tragedia de la japonesa. Salazar confeccionó un personaje frágil, ilusionado, proyectando cierta ingenuidad a través de una voz muy dulce y cálida, que despierta en el público dolor genuino ante su infortunio.

Como Pinkerton, el tenor José Ortega, originario de Ciudad Juárez, demostró que es un cantante decoroso, con un buen centro vocal, si bien su emisión se estrecha en el registro agudo y estrangula un poco el sonido. La mezzosoprano Guadalupe Paz ha tenido como Suzuki una de sus mejores actuaciones en nuestro país, gracias a un color bello y ahora sí parejo, estable en todo su canto, mientras que Encarnación Vázquez, alternante del rol, mostró su larguísima experiencia en esta obra, mismo caso del barítono Jesús Suaste, un hipócrita pero finalmente comprensivo Sharpless. Es destacable el Goro del tenor Gerardo Reynoso y, sobre todo, el vocalmente estupendo Bonzo del barítono Óscar Velázquez.

El Coro del Teatro de Bellas Artes sigue ganando nivel, gracias al encomiable trabajo de su preparador, el catalán Xavier Ribes. Para hablar de la orquesta, sería necesario referirse al concertador Ivan Anguélov, pero quizás nadie mejor que Jaime Ruiz Lobera, director de la CNO, pueda explicar a detalle sus virtudes, que deben ser hartas como para mantenerlo al frente de la agrupación pese a saber que el nombre del director búlgaro salió a relucir en las quejas públicas de cantantes femeninas que aseguran haber padecido su acoso en el más reciente Concurso de Canto Carlo Morelli. Entonces, pidámosle que hable.

2do. Coloquio Hispanoamericano de Periodismo Cultural

2011-10-26T10:43:00.000-05:00

El jueves de de octubre participé en el 2do. Coloquio Hispanoamericano de Periodismo Cultural del Zócalo. Fui invitado para intervenir en la mesa titulada "El periodismo cultural nota por nota" y estuve al lado de Lázaro Azar, crítico del diario Reforma, Pablo Espinosa, editor de la sección cultural de La Jornada, Sergio Raúl López, reportero free-lance, y Xavier Quirarte, reportero de Milenio.

Próximamente los organizadores editarán una memoria con las diversas ponencias y fotografías de los participantes. Mientras tanto, link a una nota que se publicó del evento en Milenio, y el boletín de prensa emitido por la Secretaría de Cultura del Distrito Federal.

Y, como bonus, una fotografía de los participantes de mi mesa:

Otra vuelta de tuerca: Sin ambigüedades

2011-08-25T23:13:00.011-05:00

Fotos: Difusión Cultural UNAM

Coloco lo que escribí sobre la puesta en escena de The turn of the screw de Benjamin Britten que se presentó hace unos días en la UNAM. Se publicó hoy jueves en el periódico El Financiero. Eso sería.

Periódico El Financiero

Jueves 25 de agosto de 2011

Otra vuelta de tuerca

Sin ambigüedades

x José Noé Mercado

Se limita quien piensa sólo en una historia de fantasmas al referirse a The turn of the screw (Otra vuelta de tuerca), la novela corta de Henry James publicada en 1898, en la que Benjamin Britten y su libretista Myfanwy Piper se basaron para la ópera homónima que habrían de estrenar en 1954.

Lo que distingue a este relato de la avasallante producción gótica europea y norteamericana del siglo 19 es la prosa elegante y limpia de ese James aún exento del barroquismo que acusan sus obras finales, un agudo entramado psicológico que condiciona magistralmente la personalidad de sus personajes y, sobre todo, la puesta en escena de sus teorías sobre el uso de la perspectiva y el punto de vista en una narración para conocer la veracidad, mentira o ambigüedad de los hechos que forman una historia.

Es a partir de esa esencia que The turn of the screw y sus adaptaciones: la operística de Britten y los numerosos filmes, entre los que destacan The innocents de Jack Clayton de 1961 protagonizado por Deborah Kerr, el de Rusty Lemorande de 1991 y el de Tim Fywell de 2009 para la BBC de Londres, admiten interpretaciones como una trama sobrenatural de fantasmas, un perverso episodio de abuso, represión sexual y pedofilia, una historia de mentiras, demencia y horror psicológico o, sorprendentemente, como nada de lo anterior.

Y es que justamente los detalles que el espectador va conociendo a lo largo de la obra hacen que la certeza que ya tiene respecto de lo ocurrido mute, dé múltiples giros de tuerca dependiendo de las perspectivas que se van explorando y embonando y al final no se tenga sino impresiones, dudas y ambigüedades que modelan la riqueza de contenido de esta obra.

Riqueza que los pasados 13 y 14 de agosto, en la sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario, en el estreno en México de The turn of the screw, la ópera en un prólogo y dos actos de Benjamin Britten, no se extrajo del todo.

Para tal suceso (en México no programar Butterflies, Elíxires, Cavallerias, Toscas y demás títulos trillados es un real suceso), se contó con la batuta de Jan Latham-Koenig al frente del Ensamble Filarmonía, con gran sentido del ritmo dramático, la musicalidad y las texturas exploradas en las variaciones desprendidas del tema principal.

En el rubro canoro, sobresalieron el tenor Samuel Boden como el Prólogo y Peter Quint, con una voz bien colocada, segura, clara y expresiva; y la soprano de 17 años de edad Erin Hughes, quien interpretó con bello lirismo e ingenuidad vocal a Flora. En segundo plano, la también soprano Fflur Wyn, quien encarnó a la Institutriz, mostró una emisión con musicalidad, pero delgada, de volumen de cámara más que teatral y de una fragilidad creciente. El niño soprano Leopold Benedict de 14 años de edad si bien mostró conocimiento de la obra y siempre mantuvo la afinación, dejó la impresión de que el rol de Miles no le resultó cómodo, ante un no muy lejano cambio de voz. La mezzosoprano Encarnación Vázquez y la soprano Lourdes Ambriz fueron las cantantes mexicanas que completaron el elenco como la Señora Grose y la Señorita Jessel.

Pero la buena imagen sonora que dejó Latham-Koenig contrastó con la puesta en escena de Michael McCaffery y la iluminación de Víctor Zapatero, ya que se optó por una sugerencia escenográfica lúgubre y opresiva, sin la dinámica de colores, de noche y día, tan importantes en James como en el propio Britten, para impactar en el ánimo y actuar de los personajes. El montaje también ignoró lo que James llamaba “síndrome del terror a la luz del sol”, justo esa realidad psicológicamente fantasmal que surge de la fusión de lo inimaginablemente terrible y lo completamente ordinario.

A juzgar por la escena y el trazo de los personajes, la tuerca no giró. Se trató de hechos obvios, de una lectura simplista, sin ambigüedades ni riqueza interpretativa o, para referirse de algún modo a fantasmas en camisón y con ojeras, de una concepción gasparinesca, lejos de esa idea del escritor Peter Straub que dice que las historias de horror funcionan mejor “cuando son ambiguas, discretas, contenidas”.

Replicante agosto-2011

2011-08-12T22:38:00.000-05:00

La edición de agosto de 2011 de la revista Replicante se dedica a los destinos antiturísticos. Gran tema. Pero, como se sabe, la monografía no es lo único. Hay numerosas secciones y autores que arman una rica variedad temática.

En la sección Literatura, publico una versión extendida del texto que escribí sobre Mi cuerpo es una celda, la autobiografía de Andrés Caicedo que armó Alberto Fuguet.

Acá el link al índice de agosto. Eso.

Los indestructibles: Le nozze di Figaro en Cuernavaca

2011-08-12T22:27:00.001-05:00

Hace unos días escribí sobre la puesta en escena de Las bodas de Fígaro que se presentó en Cuernavaca, Morelos, el mes pasado. El texto se retrasó un poco en salir por el festejo del 23 aniversario de la sección cultural de El Financiero, pero mejor así. Ahora que el caso del homicidio del exfutbolista Ignacio Flores ha puesto a la carretera a Cuernavaca, nuevamente, en las noticias rojas, es una inmejorable ocasión de que mi texto se publique. Arte y no más sangre. La idea es ésa.

Periódico El Financiero

Viernes, 12 de agosto de 2011

Los indestructibles: Le nozze di Figaro en Cuernavaca

Ganando la batalla en Morelos

x José Noé Mercado

Cuernavaca, Morelos, nuevamente ha sido noticia. Esta vez, para bien. Para el arte y la cultura, ya que al escalofriante y frecuente clima de sangre y violencia ahora se ha opuesto una opción que si no reconstruye de golpe el tejido social por lo menos lo conforta. O lo intenta. La presentación de otro título operístico en el Teatro Ocampo, de la mano del Instituto de Cultura estatal que lidera Martha Ketchum, y su Compañía de Ópera, artísticamente dirigida por el barítono Jesús Suaste, es digno de encomio y atención, de apoyo y continuidad.

Porque sumar tres funciones de Le nozze di Figaro de Wolfgang Amadeus Mozart los pasados 15, 17 y 19 de julio, a la oferta de óperas como L’elisir d’amore de Gaetano Donizetti, Madama Butterfly de Giacomo Puccini y La traviata de Giuseppe Verdi que en el último año se han presentado en Cuernavaca constituye un esfuerzo de proyección y envergadura artística innegable.

Y es así hasta tal punto que una posible crítica a la modesta pero útil escenografía de Ricardo Salazar, a la no en todo resuelta dirección escénica de Óscar Flores por falta de mayor familiaridad con la trama y el género mismo que permitiría utilizar las transiciones argumento-musicales con total destreza, a desafinaciones ocasionales, o incluso a los mínimos lapsus-olvidus de una u otra frase de los kilométricos recitativos que fueron respetados sin los tradicionales cortes, debe matizarse en aras de valorar las circunstancias y condiciones en que semejante esfuerzo es concretado y, después de todo, sale airoso para dejar al público satisfecho.

El buen resultado musical de estas funciones partió de Carlos García Ruiz y su dirección concertadora más que sólida, porque no sólo brindó un acompañamiento confiable a los cantantes, sino que igual sonó mozartiano, dentro de un estilo que demuestra estudio, entendimiento, capacidad y rigor. Este joven concertador mexicano que siempre baja al foso sin partitura es acaso el que más ópera dirige en nuestro país, lo que ya le ha generado credenciales de especialización lírica que no pueden ignorarse. ¿Lo conocerán en Bellas Artes, donde se suele invitar a tanto extranjero de irregular calidad?

El elenco lo encabezó el bajo Rosendo Flores, quien salvo algunos momentos vocalmente cavernosos, mostró la suficiente maleabilidad y ligereza para enfrentar el rol baritonal de Figaro. Su amplia experiencia en los escenarios contribuyó a hilar una actuación graciosa y entretenida. Susanna fue interpretada con gran dulzura vocal y escénica por la soprano Elisa Avalos, quien logra entretejer un canto de gustos refinados.

La soprano Verónica Murúa brindó una humana y por tanto sincera interpretación de La condesa, con el necesario entendimiento de su condición de mujer desatendida por su esposo, proyectado a través de una hermosa línea melódica y lánguida belleza vocal en sus arias “Porgi amor” y “Dove sono”. ¿Tampoco a esta destacada soprano mexicana la conocen en Bellas Artes?

En el papel de El conde, Jesús Suaste refrendó su experimentada trayectoria que le permite un desenvolvimiento escénico pleno y un canto que busca los matices y encuentra los contrastes y el peso y sentido justos a cada uno de sus fraseos.

El Cherubino de la mezzosoprano Encarnación Vázquez, la Marcellina de María Luisa Tamez y el Bartolo de Rufino Montero, demostraron un divertido control y timing escénico de sus intérpretes, además de un largo y amplio recorrido por esta obra. Marco Antonio Talavera, Yolanda Molina y Héctor Arizmendi completaron el grupo de solistas en los roles respectivos de Antonio, Barbarina y Basilio-Don Curzio. Alejandro Vigo estuvo en el clavecín, mientras que Christian Gohmer fungió como director huésped del Coro del CMAEM.

Por lo escrito, la no poca madurez y experiencia del elenco aun si se considera la incursión de dos o tres jóvenes, el protagonismo de la mayoría de estos solistas en las distintas producciones que de esta ópera se han hecho en nuestro país durante las últimas décadas, el final logrado y feliz de este proyecto, así como la misma juventud de Mozart, de alguna manera podría evocar el título en español de esa película estelarizada en 2010 por Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis, Dolph Lundgren y otros héroes nada de pubertos: Los indestructibles. Porque sí, aún ganaron la batalla.

Verónica Murúa

2011-08-05T13:40:00.000-05:00

La sección cultural del periódico El Financiero, una de las más importantes de entre los diarios nacionales, cumple 23 años de publicarse ininterrumpidamente de la mano de su editor el maestro Víctor Roura.

Para celebrarlo, durante esta semana publicó en sus páginas cerca de 90 textos breves de sus diversos colaboradores con la premisa de contar cuál es el concierto más memorable al que han asistido y por qué razón lo consideran así. Así se festeja este año. Con "Mi concierto". Con música en letras, escrita en la memoria. Porque sí, creo que a la larga la música que importa, la que es capaz de transformarnos, uno siempre termina haciéndola personal, íntima. De uno. Felicidades a El Financiero y a Víctor Roura, por armar una sección ética, crítica y con una siempre necesaria y saludable libertad de expresión.

Acá posteo lo que yo escribí. Se publicó ayer en papel y en línea. Eso.

Periódico El Financiero

Jueves 6 de agosto de 2011

Verónica Murúa

x José Noé Mercado

No hubo de por medio esa sobrevaloración mítica que suele profesarse a los operastars, casi siempre erigida por la mercadotecnia y algunos críticos groupies. Tampoco influyó, ya que por fortuna no la tiene, la entrecomillada consagración oficial que suele ir acompañada por las canas, arrugas y una cada vez menos discreta decrepitud del consagrado. No fue cierto tipo de irrebatible frescura y esplendor de facultades del que canta como nadie, pero ignora tanto de la vida como pocos. Y hubo cero forma de nostalgia con la que los necrofilíricos honran a sus ídolos.

No fue eso. Ni siquiera la bella arquitectura del Museo Nacional de Arte sombreada por formas y figuras evocadoras que proyectaban luces insuficientes al anochecer y que sirvió de marco para presentar su cedé Posromanticismo mexicano explicaba mi pudorosa sensación de feliz abatimiento. No hubo un extenso programa a interpretar ese jueves 26 de agosto de 2010. Sólo fueron 6 piezas con un delicado acompañamiento de piano. Je t’aime de Ricardo Castro, A la bien aimée y A toute âme qui pleure de Gustavo Campa, No te olvido de María Garfias, Amar y sufrir de Luis G. Jordá y Musmé de Emilio de Nicolás fueron la sobredosis suficiente para sentir que no podría escribir de la ocasión sin delatarme como un encandilado degustador del placer que su voz de piel femenina logró producirme, intoxicado además por el vano deseo de lamer el sonido de una emisión fascinante y que aún recordaba al salir a la calle de Tacuba cuando ya todo había terminado.

Aunque en rigor el viento helado no pudo disipar la mezcla de emoción y tristeza confortada por haber sido el ser en el que se habían hundido los agudos colmillos del decir musical, del canto y sensibilidad de una artista que esa velada hizo rivalizar su belleza interior con la física, resultando ambas vencedoras.

Abrumado, creí comprender que no era indispensable una sala de prestigio ni un teatro magnífico para que el canto encontrara un nicho de valor probado. La fama, la pretensión, lo wannabe y aspiracional de miles de conciertos y funciones de ópera presenciados, en ese momento me resultaron particularmente insustanciales. Lo importante y verdadero simplemente había ocurrido como una bendita serendipia. Sólo me restaba despojarme del incómodo recato para informarlo y, de alguna manera, compartirlo. Supuse que un buen comienzo era nombrar a la soprano que para mí fue la única del cosmos durante esa noche. Y lo hice: Verónica Murúa.

Forma, sonido y memoria

2011-08-05T11:40:00.001-05:00

Mañana, sábado 6 de agosto, a las 12 p.m. participaré en una mesa redonda que se organiza como parte de las actividades que acompañan a la exposición Arqueologías de la Fonografía que se presenta desde hace un par de meses en el museo Franz Mayer. Ésta es una impresionante exhibición de fonografos, que no debe perderse todo interesado en el sonido, los discos, los aparatos de reproducción, las grabaciones, etc.

Mañana también estarán en la mesa de diálogo el ingeniero Humberto Terán y el contratenor Héctor Sosa. Abajo coloco detalles de la información que puede consultarse íntegra en la imagen. La entrada, aunque originalmente tendría un costo, es completamente libre. Allá nos vemos. Eso.

……………………….

l Coloquio Arquologías de la Fonografía comienza éste sábado a las 12:00 pm en el Auditorio del Museo Franz Mayer (continúa el sábado 13 y el jueves 18).

Mesa I : Forma, Sonido y Memoria

Participan en la Mesa: Humberto Terán (Ingeniero de Audio, involucrado prácticamente en toda la actividad musical de México), Héctor Sosa (Contratenor y Productor Musical) y José Noé Mercado (Crítico de Ópera, Periodista) Modera: Santiago Rodríguez (Humanista).

Otto Cázares

Coordinador del Coloquio

Replicante julio-2011

2011-07-15T16:21:00.000-05:00

En la edición de julio de la revista Replicante, que se dedica al arte contemporáneo, publiqué Aquí no viene cualquiera, una versión recargada de una crónica sobre Santa Fe, De Efe, que escribí hace un tiempo. Aquí el link, para quien quiera leerla.

eso.

Recensioni

2011-06-24T19:53:00.001-05:00

Desde hace tiempo, algunos de mis textos sobre la ópera en México son traducidos y publicados en italiano en la revista GB Opera, que dirige con gran visión su fundador Giorgio Bagnoli.

Es un gusto ser traducido, ser publicado en Italia y, sobre todo, experimentar la completa libertad de ser leído con genuino y estricto interés lírico.

Coloco links para que puedan leer algunas recensioni. Eso sería.

Tosca, Città del Messico.

Rusalka.

La mulata de Córdoba - La vida breve.

María Alejandres en la Scala de Milán

2011-06-10T12:48:00.001-05:00

Fotos Ana Lourdes Herrera / www.mariaalejandres.com

La nota principal de la sección Cultura del periódico El Financiero, hoy 10 de junio, es la entrevista que le realicé a la gran soprano María Alejandres, con motivo de su debut en la Scala de Milán, mañana sábado. La coloco a continuación para las personas que me la han solicitado, ya que no pudieron leerla en el diario. Próximamente prometo colocar también la entrevista que publiqué en la revista Pro Ópera en 2008, cuando María Ganó Operalia, y que por renovación del sitio hace un par de años quedó fuera del internet. Eso sería.

Periódico El Financiero

María Alejandres, en la Scala de Milán (llamada de primera plana)

Viernes, 10 de junio de 2011

La soprano mexicana buscará acercarse a la perfección de su arte

interpretando el protagónico de Roméo et Juliette, de Charles Gounod

Periódico El Financiero
Viernes, 10 de junio de 2011
Mañana debuta en la Scala de Milán
En la música siempre hay sutilezas por descubrir: María Alejandres
x José Noé Mercado

Es de las mejores cantantes del planeta y no por casualidad. No inmerecidamente. Mañana debutará en la Scala de Milán, uno de los teatros de mayor prestigio en el mundo y manifestará así una vez más el delicioso y poético timbre de su voz, rica en musicalidad, armónicos y luminosidad expresiva.

Es dueña de una técnica admirable y refinamiento interpretativo que se amalgaman con el esfuerzo y la humildad necesaria para el aprendizaje diario, nota a nota, y sobre todo con un talento de extraordinaria ley artística. La soprano mexicana María Alejandres, de 27 años de edad, ahora en Italia, cuna y meca por excelencia del género operístico, buscará acercarse a la perfección de su arte interpretando el protagónico de Roméo et Juliette de Charles Gounod, papel sobre el que reflexiona:

-Juliette fue el primero que me aprendí, cuando tenía 19 años, ya que el paje Stephano fue el primer personaje que la Compañía Nacional de Ópera me otorgó en Bellas Artes; además me propusieron ser el cover de Juliette, un rol que vocalmente es demandante y lírico. Desde entonces sabía que durante muchos años mi voz estaría en proceso de desarrollo y ahora, aunque se encamine hacia el repertorio lírico, Juliette es un papel que me da la oportunidad de mostrar dotes de línea de canto en el repertorio francés, que es en el que me siento más cómoda, además del italiano.

-Triunfos en nuestro país, China, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Italia. Está en los mejores teatros del mundo. ¿Qué es lo que está pasando con su carrera?

-Ha sido una carrera de mucha preparación vocal y musical, de tiempo y paciencia durante estos últimos cinco años. He aprendido a no correr y a descubrir que para estar a la altura de los teatros importantes de ópera es necesario tener una preparación sólida y ser muy fuerte mentalmente, ya que las exigencias son muy grandes. Sin embargo, es una profesión que me llena de satisfacciones, además de ser muy noble.

-¿Qué significa para usted la Scala de Milán?

-Cantar en la Scala es algo que no pensé que llegaría tan pronto, y es una responsabilidad muy grande para mí. Dos de los teatros más importantes y de tanta tradición en el mundo lírico, la Scala y el Royal Opera House Covent Garden de Londres, llegaron a mis manos antes de lo que pensaba. Sin embargo, me preparé mucho para poder estar a la altura. En este tipo de teatros no te perdonan un solo error. En los ensayos siempre hay oídos que están a la espera de cualquier mínima falla. Tienes que ser muy cuidadoso y eso precisamente te obliga a buscar la perfección o, por lo menos, a estar cerca de ella. Diariamente tienes coachings con un pianista que enriquece la parte musical y te pule el estilo. También cuentas con especialistas del idioma en el que cantas y están ahí para corregir cualquier mínimo error. Todo esto aunado a muchos otros aspectos como la escena o la música. En cualquier caso, es necesaria una fuerza mental y una seguridad músico-vocal que te permita dar lo mejor de ti como artista en cada función.

-¿Cuál es su actitud al cantar en países y teatros con grandes tradiciones operísticas?

-Cada vez que estoy en teatros como éstos, resulta muy enriquecedor trabajar con grandes coaches y extraordinarios directores de orquesta, de los que he aprendido mucho en poco tiempo. Estar en teatros así requiere mucha preparación y perfeccionamiento porque hay una fila de can- tantes muy buenos detrás de ti y si tú no llenas las expectativas, pasan sobre ti. Es por ello que siempre tengo la actitud de aprender y asumo que aún hay mucho qué perfeccionar en cada rol, a pesar de que lo haya cantado quizás ya muchas veces. Siempre hay bastantes aspectos por profundizar, sutilezas por descubrir, detalles musicales por cuidar. Es la parte que más disfruto: el estudio y el descubrimiento, para que cada función que doy sea diferente.

-¿Cómo ha logrado los éxitos de su brillante trayectoria? ¿Qué ha hecho bien; por qué algunos cantantes llegan a la cumbre y otros no?

-Mi caso es muy personal. Creo que todo se conjuntó para que saliera así. Es indispensable mucha disciplina y preparación músico-vocal. Mientras más herramientas tengas será más fácil llegar a la cima. Se requiere una buena dosis de paciencia y tener muy claro cuáles son tus objetivos a largo plazo. Todos podemos ser talentosos, pero además necesitas la inteligencia emocional para ser muy fuerte y que las tonterías diarias del trabajo no te tiren. En esta carrera tienes que dejar de lado la sensibilidad: me refiero a que desafortunadamente muchas veces en las artes tendemos a tolerar errores por miedo de herir al artista. Cuando estás en una carrera internacional no te perdonan un error, pues hay muchos cantantes que están esperando una oportunidad y por ello tienes que ser muy inteligente, saber dar cada paso y conocer hacia dónde te llevará. Indudablemente, debo decir que también tuve la fortuna de contar con grandes apoyos en México, y puedo mencionar que María Luisa de Chávez y Manuel Álvarez fueron un pilar en mi carrera, ya que me apoyaron durante muchos años hasta que logré salir adelante por mis propios medios. Y conté con un equipo maravilloso que ayudó a impulsarme: Pro Ópera, además de tener la fortuna de contar durante cuatro años con una pareja que me ha apoyado en todos los aspectos y ha sido mi mejor crítico en cada función, alguien que no me aplaude todo, para seguir mejorando siempre.

-¿Cómo está planeando su carrera en cuanto a compromisos, repertorio y ofrecimiento de los teatros?

-Poseo la suerte de contar con el consejo del maestro Ramón Vargas, quien siempre ha sido mis oídos, y con un agente que conoce muy bien de voz. Gracias a ello no he caído en tentaciones de repertorio que por el momento no debo interpretar. En este punto sólo estoy en el lírico ligero. Cuando se desarrolle más mi voz iré aumentando el peso del repertorio. Pero ahora vienen debuts en la Bastilla, Munich y Lille. Y próximamente regresaré a la Scala con dos títulos nuevos.

Periódico El Financiero
Viernes, 10 de junio de 2011
La sexta mexicana
x José Noé Mercado

María Alejandres es una chica amable y sencilla en su trato. Su rostro es gentil, pero en él se desprende el ingenio, la inteligencia y seguridad de quien sabe lo que quiere y, más interesante aún, de quien sabe cómo obtenerlo. El 21 de agosto de 2005 obtuvo el primer sitio del Concurso Nacional de Canto Carlo Morelli y el 24 de septiembre de 2008 ganó el primer lugar femenil de Operalia, celebrado en Quebec, Canadá, tanto en la categoría de ópera como en la de zarzuela. Su participación en ese importante certamen internacional sin duda fue una muestra de consolidación para una artista que lo es desde su infancia y que desde entonces se caracteriza no sólo por su talento musical, sino también por su actitud disciplinada, estudiosa, por su ambición inteligentemente encaminada. Ahora será la sexta mujer mexicana en cantar en la Scala de Milán desde su inauguración el 3 de marzo de 1778, después de Ángela Peralta, Fanny Anitúa, Pina Carrillo, Oralia Domínguez y Gilda Cruz Romo.

Periódico El Financiero
Viernes, 10 de junio de 2011
EL JARDÍN
x José Noé Mercado

*Del vecino

Hasta antes de ganar el Concurso Operalia de Plácido Domingo en 2008, María Alejandres se ve como un talento en bruto que de a poco se fue puliendo con trabajo, dedicación y el apoyo de gente que creyó en ella. "Operalia me ayudó a acercarme a los teatros y a tener más proyección en el mundo", dice. "Sin embargo, no puedes ser sólo un potencial que toque esos recintos una sola vez. Debes demostrar que eres una realidad capaz de mantenerte".

-¿Qué papel debería ocupar la idea del extranjero en un joven cantante mexicano? Muchos sueñan con irse de nuestro país, pero por cada uno que se abre paso abundan los que no logran insertarse en ninguna parte y sólo acumulan frustraciones que merman su ánimo y desarrollo.

-Existe una idea errónea del extranjero y, lamentablemente, muchas veces pensamos que el jardín del vecino es más verde. En México contamos con buenos pianistas repasadores, coaches y maestros de canto. Lo importante es saber con quién y hacia dónde debes enfocar tu energía, tiempo y dinero. Para ello es necesario hacer un plan de lo que requieres y te hace falta: idiomas, teatro, preparación musical y, la más importante, técnica vocal. Sin ello es como no tener piernas y querer correr. Enfocán- dome solamente al canto, pienso que es una carrera muy personal e íntima, de maestro a cantante. No es indispensable irte a Europa pensando que hallarás sin duda alguna lo mejor. Lo puedes encontrar en Zacatlán de las Manzanas, en Londres o París. Pero para ello debes ser muy objetivo y no dejarte llevar por la pasión y los arrebatos y saber aprovechar de todos los maestros lo mejor para formar tu técnica, decisiones de canto y manera de ver la música.

-¿Cómo integra los logros profesionales a su vida cotidiana para no perder la cordura personal y artística?

-La humildad llena mi espíritu. Cada vez que veo mis avances, pienso: "María, el camino es largo, ni siquiera ves el infinito. Te falta mucho". Saber que no he llegado al límite de mis posibilidades, que tengo aún mucho por descubrir, aprender y perfeccionar es lo bello del asunto: ver que no soy la misma de hace tres años, que he evolucionado como artista y cantante y sobre todo como persona. Los golpes me han hecho más fuerte y aprendí a no caer dos veces en el mismo error. Disfruto mucho esta carrera porque, además, me ha permitido abrir mis horizontes: viajar, conocer culturas, vivir en países donde jamás creí que estaría. La belleza de la vida es disfrutar y entregarlo todo.

Tosquísima

2011-05-24T17:50:00.002-05:00

Hoy se publicó en el periódico El Financiero mi texto sobre la reposición de la ópera Tosca de Puccini en Bellas Artes. Corresponde al primer elenco y lo que coloco aquí es el director's cut, aunque igual habrá una versión extendida que incluya comentarios sobre el segundo elenco. Pero esa versión se publicará más adelante en la revista Pro Ópera, lo de hoy es lo que aparece en el diario. Finalmente, y por si alguien quiere tener fresco lo que escribí en 2008 sobre esta misma producción proveniente de San Luis Potosí, dar kliq aquí. Eso sería, con calor insoportable.

Periódico El Financiero
Martes 24 de mayo de 2011
Tosquísima
x José Noé Mercado

Saber que Wolfgang Amadeus Mozart y Giacomo Puccini son los compositores operísticos que más se programan en el mundo, según estadísticas de Operabase, puede suponer el equívoco de que no hay nada más sencillo y exitoso que presentar obras de sus respectivos catálogos. Puesto que el arrastre que generan dichos títulos en un público casi siempre conservador no exenta la necesaria capacidad para llevar a la escena una reinterpretación fresca, propositiva y que aporte como versión al ser reproducida.

Ejemplo de ello es la Tosca de Puccini con la que la Compañía Nacional de Ópera (CNO) continúa su temporada 2011, pues no sólo la falta de una programación imaginativa y que guste del riesgo de la propuesta innovadora es evidente, sino también el escaso talento para cocinar un refrito.

Con funciones 15, 17, 19, 22, 24 y 26 de mayo en el Teatro del Palacio de Bellas Artes y alternando dos elencos, la CNO recurrió de nuevo a la producción de Tosca concebida por el Festival de San Luis Potosí en 2007, repuesta ya en Bellas Artes en 2008. Esta vez, sin embargo, el esplendor original ciertamente sobrevalorado en su momento de este montaje que cuenta con escenografía de Ricardo Legorreta, fue ensombrecido por modificaciones innecesarias y fallidas.

En el estreno, la función fue condenada por dos factores principales. Primero por la dirección escénica de Raúl Falcó, plagada de movimientos clichés, incapaz de configurar una lectura rica o consecuente de los personajes, caricaturizándolos incluso como en el caso del Barón Scarpia, malo, malísimo desde que sale a escena, conectándole combos a Cavaradossi, practicándoles el bullying a sus esbirros o interrumpiendo el clímax del “Vissi d’arte” al volver de colocarse una suerte de bata o negligé. Lo bueno para Falcó es que si como ex director de la CNO es tristemente célebre, ahora como regista difícilmente alguien se acordará de él.

Descontando la iluminación ordinaria y brusca de César Guerra, el segundo aspecto que condicionó esta Tosca fue la apresurada lectura musical del croata Niksa Bareza, ya que dificultó las respiraciones canoras de los solistas, indispensables para la construcción dramática del fraseo y de los mismos personajes y su estado emocional. Su ejecución plana y sin matices al frente del Coro y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes tuvo menos puntuación que la de un adolescente en Twitter y se quedó a años luz de recrear las sensuales atmósferas puccinianas llevadas al paroxismo por directores como Victor de Sabata en cuya imagen sonora puede incluso respirarse el exquisito y embriagante perfume de Floria Tosca.

El rol protagónico fue encarnado por la soprano Bertha Granados, con un instrumento de gran peso dramático, pero de una frialdad histriónica que no transmitió la carga de sentimientos que debería ir desplegando su personaje. El Cavaradossi del tenor Diego Torre contó con una voz oscura, potente, aunque proyectada más a semejanza de un rayo láser y no como una luz expansiva que bañara al público. Su fraseo no es particularmente refinado ni hábil para convencer de las transiciones anímicas de su personaje. El barítono Juan Orozco interpretó a Scarpia sin buscar contrastes en su poderosa voz. Emite siempre a todo volumen, lo que le lleva a perder afinación y color: a construir un canto monótono, estridente y sin gusto.

El bajo Charles Oppenheim, quien en 2006 fuera criticado por no tener suficiente carrera o estudios musicales como para debutar en este recinto, para sorpresa de muchos regresó esta vez convertido en uno de los cantantes más activos de México para interpretar el personaje del Sacristán. En buena parte del primer acto fue inaudible y sólo hacia el final logró rebotar la voz en la escenografía. Ahora se le escucha más seguro respecto de aquel 2006, aunque su voz sigue presentando pobreza de brillo sobre todo en su registro alto. Su desempeño actoral es resuelto, pero empañado por manierismos y bufonerías fetiches que le imprime a todo personaje que interpreta.

Es rescatable la oportunidad de que cantantes jóvenes como los barítonos Óscar Velázquez y Ricardo López o el tenor Víctor Campos puedan subir a escena para acumular experiencia a través de partiquinos. No obstante, el resultado integral de esta Tosca es sin duda superlativo: por sus fallas y la carencia de refinamiento interpretativo, por su nula propuesta y lo pegoteada de la producción, simplemente fue tosquísima.

Sin orquestas de élite

2011-05-21T16:49:00.000-05:00

Hoy, sábado 21 de mayo de 2011, se publica en el periódico El Universal un panorama de las orquestas en el Distrito Federal, un muy buen texto de la periodista Alida Piñón. La conclusión es que no tenemos una orquesta de élite ni nada aparecido en nuestra ciudad. Es una lástima.

Dejo link a este texto, en el que la periodista de El Universal incluye un fragmento de mi opinión. Eso sería.

Replicante mayo-2011

2011-05-21T16:39:00.000-05:00

El número de mayo-2011 de la Revista Cultural Replicante se dedica a la industria de la música.

En la sección Apuntes y Crónicas se publica un reportaje mío: La rehabilitación del Teatro de Bellas Artes: un rescate totalmente palacio. En este texto además de hacer un recuento de todo lo que ha ocurrido con la "cirugía mayor" a nuestro máximo recinto artístico, incluyo las principales voces que se han pronunciado al respecto.

Dejo el link al Índice de todo el contenido de este número de Replicante. Hay mucho que leer y ver en sus numerosas secciones.

Backstage, un fragmento en L'Orfeo de mayo-2011

2011-05-05T12:41:00.000-05:00

En la edición de mayo-2011 de la revista L'Orfeo que edita Iván Martínez se publica un fragmento de mi novela inédita Backstage.

Aquí dejo el link del índice de este número de la publicación que se dedica al compositor Daniel Catán, recientemente fallecido, y también el link a la sección Letras Sonoras, donde viene el fragmento de Backstage, para quien quiera leerlo. Eso sería.

Pro Ópera mayo-junio 2011

2011-04-30T16:50:00.002-05:00

Acá links a los textos que publico en la revista Pro Ópera de mayo-junio-2011:

Ópera en México (con varios textos).

México en el mundo (notas sobre artistas mexicanos en el extranjero).

Texto sobre el 8-2 (día de la muerte de Eugenio Toussaint, Enrique Jaso y Jacobo Morett).

Críticas extendidas sobre La mulata de Córdoba y La vida breve y Rusalka en Bellas Artes.

Obituario Daniel Catán.

Y réplica a la carta de una lectora que se publicó en la edición pasada de la revista, a propósito de una de mis críticas.

Eso. Por si quieren leerme.

Cacería constante

2011-04-28T13:33:00.000-05:00

"Querer es esencialmente sufrir, y como vivir es querer, toda vida es por esencia dolor. Cuanto más elevado es el ser, más sufre... La vida del hombre no es más que una lucha por la existencia, con la certidumbre de resultar vencido... La vida es una cacería incesante, donde los seres, unas veces cazadores y otras cazados, se disputan las piltrafas de una horrible presa. Es una historia natural del dolor, que se resume así: querer sin motivo, sufrir siempre, luchar de continuo, y después morir... Y así sucesivamente por los siglos de los siglos, hasta que nuestro planeta se haga trizas".

Arthur Schopenhauer

Revista Replicante abril-2011

2011-04-14T17:03:00.000-05:00

Replicante dedica su número de abril-2011 al sureste mexicano: la otra frontera. Además de las numerosas perspectivas y plumas sobre este tema central, se publica también una gran cantidad de textos en las diversas secciones que integran esta publicación considerada entre las tres mejores revistas culturales editadas en español.

En Apuntes y crónicas, de mi autoría viene el escrito Turista mexicano en Chiapas. Y, en la sección Narrativa, publico el cuento Demasiado tarde.

Aquí el índice completo con los respectivos links a todo el contenido de abril.

Eso sería.

Daniel Catán 1949-2011

2011-04-12T14:22:00.000-05:00

Coloco mi obituario sobre Daniel Catán, publicado hoy en el periódico El Financiero. Una pérdida grande la de este compositor para el quehacer operístico actual. RIP.

Dejo también este link a la entrevista que le realicé en 2009, como un homenaje por sus 60 años de edad, publicada en la revista Pro Ópera.

Y link a la entrevista a cuatro voces que le realizamos en 2010 Jorge Barradas, Iván Martínez, Lázaro Azar y yo, a propósito del estreno de Il postino en LA Opera, que se publicó en la revista L'Orfeo.

Periódico El Financiero
12 de abril de 2011
Daniel Catán (1949-2011)
-Daniel Catán, la burocracia lo asfixio. Murió a los 62 años de edad, sin ver concretada la ilusión de sus óperas interpretadas en español (llamada de primera plana).
-Una verdadera tristeza, la situación de la cultura.
X José Noé Mercado

La composición operística contemporánea tuvo a uno de sus más prestigiados exponentes en el mexicano Daniel Catán, cuyo fallecimiento en Austin, Texas, se dio a conocer la mañana del 11 de abril por la Universidad de Texas, donde el compositor se encontraba impartiendo clases temporalmente, aunque aún no ha sido precisada la causa ni la fecha exacta de su muerte, posiblemente ocurrida entre el viernes 8 y la madrugada del domingo, en que fue encontrado sin vida en la cama de su habitación.

En sus cinco óperas: Encuentro en el ocaso, La hija de Rapaccini, Florencia en el Amazonas, Salsipuedes e Il postino, esta última escrita especialmente para Plácido Domingo, quien la estrenó en Los Angeles Opera, en 2010, se encuentra el genio creciente de un compositor que se distinguió por cultivar la melodía y la escritura belcantista, prácticamente desterrada de la producción lírica universal desde principios del siglo 20, sin por ello dejar de sonar moderno.

A través de los libretos de sus óperas, basados en obras de Octavio Paz, Gabriel García Márquez, Eliseo Diego o Antonio Skármeta, hay una búsqueda formal e incesante que aspiraría al concepto de una ópera en español, y no sólo a través del lenguaje, sino de la cultura, de la mirada del mundo que producen un idioma y su historia, sus protagonistas.

Aunque Catán fue autor de ballet, obras orquestales y música para la pantalla, el reconocimiento internacional se lo proporcionó justamente el arte lírico que lo acompañó hasta el final de su vida, ya que además de encontrarse trabajando en una nueva ópera sobre Meet John Doe, la película de Frank Capra, sus obras son constantemente producidas y presentadas tanto en Estados Unidos como en Europa, no así en México donde los títulos de su catálogo nunca han sido debidamente escenificados.

En una entrevista concedida en 2009, Daniel Catán explicó así su oficio creativo:

“Trabajo en mi composición en las mañanas. El proceso empieza en cuanto despierto y me gusta pasar del sueño al escritorio sin mayor interrupción que una buena taza de café. Escribo en mi escritorio, a mano, y verifico lo que escribo en el piano para ver si me convence, si es verdaderamente la música del personaje, de la situación en la que trabajo. Una vez que estoy convencido —cosa de días—, lo paso en limpio y hago una versión impresa en la computadora. Así voy trabajando las escenas y los personajes. El proceso toma bastante: unos 18 meses para escribir la partitura para voz y piano. Durante la composición de la obra me gusta consultar a mi director de escena para asegurarme de que los personajes y las situaciones han quedado bien delineados. Sobre todo que la estructura está bien balanceada. Es fácil perderse cuando escribes una obra tan larga y durante tanto tiempo. Me gusta también correr la obra en cierto momento antes de terminarla definitivamente. Eso me da la pauta de cómo debe de ser el mero final. Me gusta después correr la obra completa con buenos cantantes antes de empezar la orquestación. Ahí todavía es posible hacer modificaciones importantes. Después de la orquestación, cualquier cambio se vuelve más complicado, costoso y agotador. Una vez que estoy seguro de que la obra funciona, empiezo la orquestación. La escribo totalmente a mano y se la envío a mi editor que se ocupa de elaborar el material: copiarlo, sacar las partichelas, publicarlo. Es un proceso largo y costoso”.

Sobre el escaso interés del público por las óperas contemporáneas, Catán identificó diversas razones: “La ópera contemporánea es compleja y el público no la conoce bien. Los compositores no tienen la experiencia que se adquiere después de haber compuesto y montado sus primeros intentos. Miren la historia y verán que aun los compositores más dotados tuvieron dos o tres óperas fallidas antes de dominar el oficio. Es difícil hoy en día adquirir esa experiencia. Sumen a esa situación representaciones mediocres y ahí tienen las razones por las que la ópera contemporánea rara vez logra conquistar al público. Pero ópera nueva hay que crear si no queremos ver a los teatros convertirse en museos. Tuvimos unas décadas muy difíciles en donde nadie se interesaba por la ópera contemporánea. Afortunadamente eso está quedando atrás y muchas compañías —principalmente en Estados Unidos y en algunos países de Europa— están haciendo encargos y montando óperas nuevas con gran éxito. El mundo hispano se ha quedado atrás en ese sentido y es algo que hay que cambiar si queremos tener un lugar en el banquete”.

Aunque siempre se asumió como un compositor mexicano, Daniel Catán tenía la nacionalidad norteamericana, residía en Pasadena, California, y era catedrático del College of The Canyons, en Santa Clarita. Era un hombre sencillo y gentil, que gustaba de la charla musical y cinéfila con los amigos, de aprender de la crítica, de viajar a bordó de su viejo Mustang. Murió a los 62 años de edad, sin ver concretada la ilusión de sus óperas interpretadas en nuestro país. Sobre ello, soñaba: “Me interesa mucho que mis obras se conozcan en México, pero no he corrido con suerte. Montar obras nuevas requiere de mucha planificación y organización. Y ése ha sido el problema con nuestras instituciones culturales. Padecen una burocracia asfixiante que no les permite planear con anticipación. La creatividad de los artistas mexicanos se agota saltando trancas burocráticas. El problema es de fondo y no soy yo el único afectado. Es una verdadera tristeza”.

Lo es. Descanse en paz. Ojalá sus obras no.

Con la voz en la nariz: ópera a pastelazos

2011-04-10T16:12:00.001-05:00

Los integrantes del espectáculo lírico-clown Con la voz en la nariz me avisan que tendrán una temporada de funciones, todos los viernes del 8 de abril al 27 de mayo a las 22 horas en el Amapola Music Hall. Me piden avisarlo a mis lectores. Eso.

Sobre este espectáculo de ópera a pastelazos, publiqué esto en la revista Pro Ópera marzo-abril de este año. Acá un link a un video promocional del show.

Bajo las aguas: Rusalka en Bellas Artes

2011-03-24T19:51:00.001-06:00

Fotos: ARIETTE ARMELLA/FMX

Posteo mi texto sobre la ópera Rusalka presentada en Bellas Artes como parte del 27 FMX y la temporada 2011 de la CNO. Algunos me la han solicitado desde hace días. Aquí está. Se publicó hoy en el periódico El Financiero. Quizás contribuya a una especie de ebullición que últimamente se ha dado en el ejercicio de la crítica y la crónica operística en México, aunque espero que no lo sea en el sentido algo atropellado en el que se ha suscitado en algunas plumas.

Además de agradecer a todos los lectores que me han externado sus comentarios sobre la nueva imagen de este blog escribicionista, y dadas las circunstancias que he mencionado, aprovecho para poner el link a mi credo crítico, publicado hace algún tiempo en la Revista Cultural Replicante. Eso sería.

Periódico El Financiero

Jueves 24 de marzo de 2011

Bajo las aguas

Rusalka en Bellas Artes

x José Noé Mercado

Entre Bedrich Smetana, autor de tintes oficialistas que ocupa un lugar destacado en la historia lírica con La novia vendida, y Leos Janácek, primero compositor rechazado por el stablishment, luego altamente reconocido, referencial e imprescindible por su capacidad musical, su lenguaje contemporáneo y la fuerza expresiva de obras como Jenufa, Katya Kabanova o Desde la casa de los muertos, Antonín Dvorák sobresalió internacionalmente con su sinfonía Desde el nuevo mundo y por su ópera Rusalka, de bella construcción y continuidad melódica con base en el leitmotiv wagneriano, a la que suma una historia que pone en escena parte de la mitología eslava.

Estrenada en 1901, Rusalka cuenta con libreto de Jaroslav Kvapil, y se presentó por primera vez en nuestro país los pasados 10, 13, 17 y 20 de marzo, en el Teatro del Palacio de Bellas Artes, en coproducción del 27 Festival de México y la Compañía Nacional de Ópera (CNO).

Jorge Ballina diseñó una escenografía dinámica y contemporánea, arropada espléndidamente por la iluminación de Víctor Zapatero y el magnífico vestuario de Eloise Kazan.

En esta ocasión, sin embargo, la propuesta de Ballina mostró una mirada reiterativa y nostálgica de su propio trabajo, sin la concreción plástica de belleza que alcanzó, por ejemplo, en El anillo del nibelungo, pero sí de su problemática con plataformas hiperquinéticas que dificultan ya no se diga el canto, sino el tránsito y acceso a ellas, como lo demostraron las torceduras de tobillo de al menos un par de participantes. Por lo demás, la escena dispuesta para contar la historia como un cuento infantil no logró recrear del todo lo que pretendía. Una serpentina telar difícilmente logró el efecto acuífero y durante la mayor parte del tiempo parecía más un canasto de mimbre teñido de azul y no el marco de un lago.

La dirección escénica de Enrique Singer presentó con coherencia y lógica la trama y las acciones, aunque naufragó en las escenas largas que componen la obra, ya que la monotonía de movimientos y la falta de una expresión nacida más del interior de los personajes cayó en un estatismo colindante con la aburrición. Si por algo los pasajes más lucidores fueron aquellas citas sergiovelianas de las ondinas del Rin y no sin estorbosos cables y arneses y dobles visibles.

El rol protagónico fue encomendado a la soprano sueca Elisabet Strid, quien se desempeñó como una gran Rusalka, con voz cálida, bella y resistente, de técnica notable. Actoralmente no demostró nada especial, pero se convirtió en una de las mejores importaciones de los últimos años considerando esa tendencia oficial y algo malinchista de traer tantos cantantes equis del extranjero a nuestros escenarios.

El tenor eslovaco Ludovit Ludha interpretó el papel del Príncipe y cumplió, pero poco más. Con una voz sin demasiado cuerpo ante el color orquestal de esta partitura, con mayor énfasis en la colocación del sonido que en su belleza o en la ortodoxia de su emisión, no estuvo a la altura de su ninfa acuática. Con mejores cualidades y un canto de mayor envergadura participó el bajo ruso Alexander Teliga como el Espíritu de las aguas.

Las voces nacionales de Lucía Salas, Nieves Navarro y Edurne Goyarzu (Ninfas del bosque); Celia Gómez (Princesa extranjera), Antonio Duque (Guardabosques), Sandra Malika (Cocinero), Néstor López (Cazador) y Belem Rodríguez (la bruja Jezibaba), complementaron el elenco con participaciones en general muy destacadas.

La dirección concertadora de Ivan Anguélov, al frente de la Orquesta y el Coro del Teatro de Bellas Artes (esta última agrupación de inocultable mejoría sonora bajo la preparación de Xavier Ribes de los últimos meses), si bien mostró conocimiento y cercanía de la partitura y cuidó el ritmo vocal de los solistas, no se transformó en una lectura particularmente vital. Con tiempos poco emotivos y una batuta refrigerante, quizás faltó calor a la música, al conflicto, al drama, a su desapasionada versión.

Tristemente donde no falta calor al drama es en la CNO, ya que después del fiasco de su pretendido Comité Artístico que nunca se concretó sigue sobre las olas, nadando de a muertito, con una temporada 2011 incierta, en la que parte de los títulos programados ya se cancelaron o pospusieron. Aunque quizás por ello mismo la realidad de esta institución operística ya ni siquiera esté a flote sino, como Rusalka y sus desnudos encantos de sirena que no vimos, completamente bajo las aguas. O, dicho sin poesía alguna, hundida. Tal vez ahogada.

Revista Replicante marzo-2011

2011-03-12T19:01:00.001-06:00

La edición de marzo de 2011 de la revista cultural Replicante se dedica al terrorismo. Se publican numerosos textos sobre ese tema, además de incluir una considerable cantidad de materiales en sus otras secciones.

En esta edición, en la sección Apuntes y crónicas, yo publico Un poco de humanidad: una crónica sobre la Expo Sexo y Entretenimiento 2011, celebrada del 2 al 7 de marzo en el Palacio de los Deportes.

En la sección Literatura-Narrativa, también aparece publicado un cuento mío: Mejor no. Dejo el link. Eso sería por hoy.

¿Juay de mulata? ¿Juay De Falla?

2011-03-02T19:06:00.002-06:00

Este blog estrena diseño y refresca su imagen. El cambio es principalmente por atención a sus lectores constantes, que con frecuencia solicitaban respeto a su vista. Ya. Por fin se hizo. Pero también esta nueva etapa es símbolo de renovación. No de negar el pasado, no de romperlo necesariamente, pero sí de dejarlo allá: en el pasado. Vivir más tiempo en el pasado que en el presente es muestra de envejecimiento. Y este blog aún no llega al ocaso. La idea es que nunca llegue. Ojalá. Sigue vivo, más que nunca, tan escribicionista como siempre, y agradece a todos sus visitantes en especial a los que me hacen llegar su comentarios sobre el contenido que lo conforma y que lo comparten.

Dicho lo anterior, y terminada la fase beta del cambio, procedo a colocar mi texto de las óperas La mulata de Córdoba y La vida breve que hace unos días se presentaron en el Teatro del Palacio de Bellas Artes, mismo que apareció hoy en el periódico El Financiero. Eso sería.

Periódico El Financiero
Miércoles 2 de Marzo de 2011
¿Juay de mulata? ¿Juay De Falla?
x José Noé Mercado

Arrancó la temporada 2011 de la Compañía Nacional de Ópera (CNO). Dicho inicio, que podría ser motivo de celebración para los operófagos mexicanos, se diluyó frente a la programación de un par de títulos más bien sobrevalorados y, lo peor, ante su montaje desmañado que saldría ganando si no transforma la apetencia lírica en anorexia.

Los pasados 13, 15, 20 y 22 de febrero, en el Teatro del Palacio de Bellas Artes, la CNO presentó en programa doble La mulata de Córdoba del mexicano José Pablo Moncayo y La vida breve del español Manuel de Falla, con un elenco integrado casi en su totalidad por cantantes pertenecientes a Solistas Ensamble y al Coro del Teatro de Bellas Artes, ambas agrupaciones dependientes del INBA, en lo que podría entenderse como ejemplo del más típico corporativismo azteca, que busca fortalecer a los dirigentes institucionales, adormeciendo las inquietudes de sus grupos y sindicatos a través de una relación de trato preferencial.

3
Algún destello de calidad vocal y canora mostraron la mezzosoprano Grace Echauri y la soprano Violeta Dávalos en sus respectivos roles protagónicos de Soledad y Salud, sin menospreciar el buen desempeño de los tenores Gerardo Reynoso y Dante Alcalá y de la también mezzo Nieves Navarro (Anselmo, Paco, Abuela). Pero en general el nivel lírico podría asumirse como grupal, indistinto, no de solistas, y en todo caso se estampó con la batuta poco motivadora del español Ramón Tébar, que no cuidó el volumen de la orquesta, ni mostró una particular propuesta o vigor sobre este par partituras.

Para 1948, año en que se estrena La mulata de Córdoba, en diversas regiones del planeta compositores como Richard Strauss, Leos Janácek, Alban Berg o Arnold Schönberg, no sólo habían incorporado –o rechazado- en sus obras las técnicas y recursos expresivos de la escena musical acumuladas a lo largo de más de tres siglo de género operístico, sino que propusieron con solidez herramientas nuevas para que la ópera continuara vigente en el siglo 20.

Ante ese escenario, un análisis mínimo de la única ópera de Moncayo arroja un desfavorable handicap para esta obra de limitados alcances expresivos y tan cuestionable cohesión músico-dramática sobre textos de Xavier Villaurrutia y Agustín Lazo que no logran armar un libreto firme y atrayente.

Poco mejor librada sale, en ese sentido, La vida breve de Manuel de Falla de 1905, aunque estrenada en francés hasta 1913, ya que si bien muestra con cierta fuerza y destellos impresionistas el folclorismo español, es fruto de romanticismo tardío entre los nacionalismos europeos, con diversos añadidos al original y con una escena última de la mano del manido Deus ex machina.

¿Cuáles son, entonces, los criterios para programar estos títulos en un país que adolece de un repertorio más básico o sexi, que atraiga nuevos públicos y encante al que ya existe? ¿Juay de mulata? ¿Juay De Falla?

A las preguntas anteriores se suma otra: ¿para qué una remodelación de nuestro máximo recinto artístico que costó 690 millones de pesos y que incluyó el equipamiento con tecnología teatral de punta, si las cosas se seguirán haciendo a la antigüita y mal?

La dirección escénica de Horacio Almada y la escenografía de Mauricio Trápaga, más que incapaces de brindar continuidad dramática a las tramas, evidenciaron el desconocimiento del género y ritmo operístico. En La mulata abundaron los tiempos muertos entre cuadros, en La vida faltó una pausa. En ambas, una escenografía desproporcionada, recién barnizada, e inoportunos tramoyistas en la más tamemes, con la iluminación fallida de Almada-Trápaga que no atinó ni con el seguidor.

Muchas preguntas para una sola producción. Y no tanto para el Comité Artístico del que nadie sabe si ya opera; no para Jaime Ruiz Lobera que en el organigrama sigue como director de la CNO, sino para el maestro Sergio Ramírez Cárdenas de la subdirección general del INBA, que en el escalafón es la mano que mece la cuna, ¿o no?

Afortunado

2011-03-02T17:55:00.000-06:00

"Antes de dormir, antes de que lo despertara Blas, Álvaro pensó en esto: más que agotarse de sí mismo, a veces se cansa. Está, más que nada, decepcionado. Algo. No tanto pero ni tan poco. Hubo un momento en que pensó que las cosas serían de otro modo. A menudo siente que gasta mucha energía buscando energía. La meta es no hundirse. No es que la pase tan mal, pero tampoco la pasa tan bien. Sigue. Aguanta. Acepta. Álvaro cree que la mayoría de la gente es como él, pero no se dan cuenta o no quieren asumirlo. O quizás no. Álvaro, en rigor, no sabe cómo es o cómo se comporta la otra gente. En todo caso, su vida podría ser peor. Mucho peor. Al menos no es Blas. Cinco años antes, la idea de tener una vida como la que tiene ahora lo hubiera aterrado; hoy le parece que, dentro de todo, es afortunado y hay gente más patética y más sin vida que él...".

Aeropuertos

Alberto Fuguet

Pro Ópera marzo-abril 2011

2011-03-01T15:13:00.008-06:00

En la edición marzo-abril-2mil11 de la revista Pro Ópera vienen mis secciones Ópera en México y México en el Mundo, además de mi crítica extendida del Fidelio en Bellas Artes.

En este número igual se publica en Cartas al Editor una crítica inconforme con mi crítica de las farsas rossinianas que Pro Ópera A.C. presentó el año pasado en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM. Próximamente le daré respuesta. Mientras tanto, dejo el link con todo el contenido de la publicación de este bimestre. Eso sería.

Imágenes q no dicen + q mil palabras 2

2011-02-28T22:04:00.000-06:00

Hoy líquido

Una nueva serie de imágenes q no dicen + q mil palabras. Capto que en ésta la luz sufre. El negro acecha y en parte parece ir ganando algo en la imagen. No sé. Quizás. Acaso la luz sigue firme, más aún en el contraste. O tal vez no, pero en cierta forma intriga. Eso, por ahí, sería. Los títulos de las fotografías son provisionales, seguramente. Pero las dejo igual.

Latino

Estadio

Abordaje

Sol en edificio

Piramidal

Frontis

Fuera del show

Árbol nublado

Cielo

Cielo amoroso

Multiplicidad diversa

2011-02-28T11:54:00.000-06:00

"En el fondo, todo hombre sabe con certeza que sólo se halla en el mundo una vez, como un unicum, y que ningún otro azar, por insólito que sea, podrá combinar por segunda vez una multiplicidad tan diversa y obtener con ella la misma unidad que él es; lo sabe, pero lo oculta como si le remordiera la conciencia...".

Friedrich Nietzsche

Tercera consideración intempestiva:

Schopenhauer como educador

Entrevista a Liliana Colanzi / Replicante Febrero 2011

2011-02-18T16:23:00.004-06:00

La revista cultural Replicante dedica el número de febrero-2011 al erotismo y a la pornografía, además de incluir numerosos contenidos sobre literatura, cine, música, y demás temas que forman sus secciones habituales.

Yo publico una entrevista con la escritora boliviana Liliana Colanzi, y una reseña de su libro Vacaciones permanentes. Aquí el link. La recomiendo. Eso sería.

Operomanía, la primera temporada

2011-01-26T19:05:00.001-06:00

Coloco el texto aparecido en El Financiero de hoy sobre el programa Operomanía de TeVe UNAM en el que participa esa singular tríada enferma de lírica desde hace décadas: Lizalde, De la Peña e Yrízar. ¿Habrá segunda temporada? Puede ser. Quizás. No estaría mal. Algo aportan, sobre todo cuando nos falta ópera en vivo o una televisión para los no jodidos (Azcárraga Milmo dixit). O sea, casi siempre en un país como el nuestro. Eso.

Periódico El Financiero
Miércoles 26 de enero de 2011
Operomanía
x José Noé Mercado

En el ambiente artístico oficial de México, el año no inicia al iniciar el año. No, nunca. Arranca mucho después, cuando las instituciones públicas son capaces de cuajar algunas actividades con un presupuesto aún incierto o sobre la espalda de algún festival por aquí o por allá. Cada nuevo enero queda así ocioso el público ávido de manifestaciones estéticas y apetencias culturales que no gozan de vacaciones burocráticas.

Se supone que eso ocurre con los aficionados a la música y a la ópera en particular. Por fortuna, y gracias a las nuevas tecnologías, ya no es tan así. No se puede depender del ogro filantrópico, ya no. De mira corta, avaro e ineficiente, no es de fiar.

Ahora, como nunca antes, hay sustitutos. Con devedés, grabaciones discográficas, torrents, el MP3/4, las transmisiones satelitales en vivo desde teatros extranjeros o YouTube, un operófilo tiene acceso casi ilimitado a las obras y versiones que más le entusiasman o interesan. No son lo mismo que la experiencia en vivo, pero son algo y algo es mejor que nada, siempre.

En su momento, el filósofo del martillo Friedrich Nietzsche daba cuenta para atacar a su ex amistad estelar Richard Wagner de haber escuchado por vigésima ocasión la Carmen de Bizet. Eso ya no apantalla. Hoy existen personas que han escuchado mil veces más Le nozze di Figaro que el propio Mozart.

Una vertiente de ello, sin duda, puede relacionarse con la exposición a los medios de comunicación masiva. Hay opciones. Acá una sugerencia para los que no se aguantan las ganas de ópera:

Yrízar (centro) explica a Lizalde (izquierda) y De la Peña (derecha) el story-board

A finales de 2010 concluyó la primera temporada de Operomanía, programa lírico producido y presentado por TeVe UNAM, que se transmite los martes, con repetición los domingos, a través de ese canal universitario.

La serie, que hasta el momento consta de 40 programas de una hora, cuenta con la conducción del poeta Eduardo Lizalde y el sabio Ernesto de la Peña, con una realización del porfiado operópata y productor televisivo cultural Manuel Yrízar Rojas.

Se trata de un espacio dedicado a comentar aspectos relacionados con la historia operística, sus compositores e intérpretes, y a transmitir fragmentos principales de grabaciones relevantes de una ópera, desde documentos fílmicos legendarios y casi prehistóricos hasta devedés recientes, con puestas en escena novedosas o, en todo caso, contemporáneas.

Si bien la escenografía, la estructura y las tomas del programa no son particularmente dinámicas ni renovadoras, este aspecto se compensa con un riquísimo anecdotario y, desde luego, con las curiosas elocuciones manieristas que caracterizan a los presentadores, desde hace décadas reconocidos personajes del ámbito cultural mexicano y de sus medios de comunicación masiva.

Otro aspecto que coadyuva a darle variedad visual y auditiva al cuadro televisivo, al margen de una edición a ratos brusca a lo pegote, es la cuidadosa y acertada selección y presentación de iconografía alusiva al tema abordado, lo cual enriquece la aportación al auditorio ocasional y en cierta medida al fanático ultra de la ópera.

A lo largo de los 40 programas de la serie, ha tocado turno a obras y compositores de prácticamente todos los periodos operísticos, incluidos varios que lamentablemente quizás nunca sean representados en México. Partiendo en la primera emisión con la célebre Carmen de Georges Bizet, se han presentado obras como El Orfeo y La coronación de Popea de Claudio Monteverdi, Lulú de Alban Berg, Guillermo Tell de Gioachino Rossini, Ruslán y Ludmila de Mijaíl Glinka, Don Carlo y El trovador de Giuseppe Verdi, El holandés errante de Richard Wagner, Pelleas y Melisande de Claude Debussy o Andrea Chénier de Umberto Giordano, por citar sólo algunos títulos.

En miras de grabar una segunda temporada, actualmente Operomanía está en un periodo de retransmisión, el cual es una excelente oportunidad para disfrutar nuevamente o ponerse al día con este programa tan rico, extravagante y discutible como la ópera misma.

Rebelde radical

2011-01-05T19:28:00.000-06:00

"Creo que un buen escritor, del lado que sea, lo quiera o no, de alguna manera tiene que ser un rebelde radical contra el mundo o algunos aspectos del mundo que vive. Es algo innato, que no se puede controlar y que hace que alguien que narra también reclame o diga lo que no debe o no está de moda...".

(...)

"Un escritor tiene que ser un inconformista. Para mí, la literatura que perdura y provoca es la que denuncia que las cosas andan mal o son insuficientes. Uno narra para aplacar los apetitos, los sueños, los deseos. Toda literatura nace de una protesta, de una respuesta casi visceral a algo que te molesta...".

Mario Vargas Llosa

en entrevista con

Alberto Fuguet

Pro Ópera Enero-febrero 2011

2011-01-05T18:55:00.001-06:00

Nos alcanzó 2011. Uf. Ya en la segunda década del 21, ¿y dónde se fue la primera? En todo caso, habrá que hacerle frente. El 31 de diciembre comí las doce uvas, pero por primera vez ya no pedí deseos. No, no, no. No es falta de deseo, es que uno debe pedirle poco y nada a la vida para realmente sorprenderse con lo que da, con lo que uno vive. Sentirse contento y feliz con lo que se tiene y se es. Con el presente, no tanto con el pasado que ya fue y el futuro que no es. Sí, acaso muy en la ética y filosofía Ariel Roth Roth: "No le pido mucho a la vida, ¿acaso eso es mucho pedir?".

Expresado lo anterior como prueba de vida, acá dejo lo que saqué en la Pro Ópera del bimestre enero-febrero-2mil11:

-Ópera en México, que incluye textos sobre el concierto de Juan Diego Flórez en el Auditorio Nacional y el estreno de Un requiem Mexicano de Marcela Rodríguez con la Orquesta Filarmónica de la Ciudad -ojo, más abajo se incluye una breve reseña de dos conferencias que impartí sobre la belle epoque para los amigos de Pro Ópera AC en el Club de Industriales del Hotel JW Marriott.

-Columna México en el Mundo.

-Texto sobre Antonieta, la ópera de Federico Ibarra estrenada en el Cenart.

-Texto sobre La bohème de Puccini presentada en el Cenart -algo atrasado, cierto, pero inédito y, por muchas razones ahí expuestas, imprescindible.

-Texto sobre la situación de la CNO. Sí, vuelve el referencial y por todos leído texto sobre el cadáver.

-Entrevista con Iván Martínez, director general de L'Orfeo, a propósito del segundo aniversario de esta publicación electrónica.

Eso.

Y, desde luego, más de otros autores, en todas las secciones de la revista. Para verla en línea, cliq aquí.

Tiempo de navidad

2010-12-24T18:59:00.000-06:00

Sí. La navidad mucho tiene de cuento. Como que siempre me lo ha parecido. Pero los cuentos no me desagradan. Es más, me gustan. El problema es que se trata de un cuento que cada vez me resulta menos original, o menos auténtica la manera en que la gente lo expresa y transmite a las personas que, supuestamente, le importan. Ya no se diga a las masas. Pocas veces es un cuento de esos que nos marcan, de los que leemos una y otra vez con la frescura de la sinceridad, del significado que nos toca y nos incluye.

Quizás sean los tiempos que corren. El tiempo en que ya no tenemos tiempo.

No sé.

Lo que sí me queda claro es que para qué queremos todo si no tenemos tiempo. En el tiempo somos. Somos el tiempo. ¿Nos tenemos a nosotros mismos o no?

¿Da lo mismo?

Feliz navidad a cada lector que pasa por este blog. Por dedicar algo de su tiempo para leerme.

Y todo lo mejor para 2011.

Y tiempo. Eso les deseo a todos.

En verdad, no es poca cosa.

José Noé Mercado

Insatisfacción

2010-12-13T22:41:00.001-06:00

"Lo quieran o no, lo sepan o no, los fabuladores, al inventar historias, propagan la insatisfacción, mostrando que el mundo está mal hecho, que la vida de la fantasía es más rica que la de la rutina cotidiana. Esa comprobación, si echa raíces en la sensibilidad y la conciencia, vuelve a los ciudadanos más difíciles de manipular, de aceptar las mentiras de quienes quisieran hacerles creer que, entre barrotes, inquisidores y carceleros viven más seguros y mejor...".

Mario Vargas Llosa

Premio Nobel de Literatura 2010

Protestar

2010-12-13T22:24:00.001-06:00

"...he podido dedicar buena parte de mi tiempo a esta pasión, vicio y maravilla que es escribir, crear una vida paralela donde refugiarnos contra la adversidad, que vuelve natural lo extraordinario y extraordinario lo natural, disipa el caos, embellece lo feo, eterniza el instante y torna la muerte un espectáculo pasajero...".

(...)

"...Igual que escribir, leer es protestar contra las insuficiencias de la vida. Quien busca en la ficción lo que no tiene, dice, sin necesidad de decirlo, ni siquiera saberlo, que la vida tal como es no nos basta para colmar nuestra sed de absoluto, fundamento de la condición humana, y que debería ser mejor. Inventamos las ficciones para poder vivir de alguna manera las muchas vidas que quisiéramos tener cuando apenas disponemos de una sola..."

Mario Vargas Llosa

Premio Nobel de Literatura 2010

Fidelio en Bellas Artes: Milagros inesperados

2010-12-09T20:54:00.001-06:00

FOTOS: Lázaro Azar

publiqué hoy en El Financiero un texto de opinión (texto de opinión, ya que algunos discuten en buena y mala si lo que escribo son críticas, reseñas, artículos, crónicas, editoriales... en todo caso, son lo que son: un escritor-periodista hace textos. y yo agregaría que en estos tiempos cada día me da más lo mismo dónde deban clasificarse, porque soy feliz con la libertad de los híbridos, así que...). éste es sobre el fidelio de beethoven, con el que la cno reabrió operísticamente el teatro del palacio de bellas artes: bien! coloco a continuación el director's cut de mi texto, aquí dedicado especialmente a aquellas almas ceremoniosas que hoy me llamaron para hacerme notar que me leyeron en papel. eso.

Periódico El Financiero

Jueves 9 de diciembre de 2010

El Fidelio mexicano

Milagros inesperados

x José Noé Mercado

1
Ene cantidad de obras literarias, cinematográficas, operísticas, se desarrollan en una prisión. Tras las rejas se convocan múltiples historias de brutalidad o injusticia, esperanza y humanidad. En la cárcel, por ejemplo, Andy Dufresne oculta bajo un afiche de Rita Hayworth su sueño de fuga; ahí Don José Lizarrabengoa narra, en flashback, su idilio con Carmencita; Mario Cavaradossi recuerda el brillo de las estrellas, besos dulces y caricias lánguidas y Maddalena di Coigny toma el lugar de Idia Legray para ser guillotinada junto a su amado poeta Andrea Chénier.

En su momento contemporáneo como hoy Julian Assange y WikiLeaks, Ludwig van Beethoven también utiliza una cárcel (Sevilla, finales del XVIII) para ubicar Fidelio, su única ópera, cuyo estreno de la versión definitiva tuvo lugar en Viena, Austria, en 1814.

Con música a ratos monótona, pero bella por su transparencia e importante por su tránsito del clasicismo al romanticismo, Fidelio aborda las razones políticas para el encarcelamiento, la represalia a las voces críticas que señalan al poder corrupto y el amor y la fidelidad como salvación.

O sea, de lo más actual.

2
Después de 688 millones de pesos y 27 meses cerrado para su remodelación, el Teatro del Palacio de Bellas Artes reabrió su telón operístico el 5 de diciembre para una nueva producción de Fidelio, también con funciones 7, 9, 14 y 19 de este mes.

La dinámica escenografía de Jorge Ballina recreó la atención del público al dar un contexto estético a la trama y disponer el espacio escénico para crear profundidades, perspectivas, relieves y dimensiones anímicas, asunto raro en la Compañía Nacional de Ópera, en la que todo suele ocurrir a ras de suelo.

La puesta en escena de Mauricio García Lozano logró un planteamiento conceptual de las claves del argumento. En armonía con el vestuario de Jerildy Bosch, lo hizo con gusto contemporáneo, tendiente a lo significativo y vinculante. En colores, en la sustracción y encarcelamiento de ellos. De sus voces que temen, como en México, como en su ambiente lírico, donde las rejas personales y los barrotes del sistema hacen callar y doblarse ante el poder.

García Lozano acertó en su propuesta, aún si se considera un par de peros en pasajes que caricaturizan el dolor. Puesto que el dolor, para que duela y cobre sentido, debe doler. No hacer reír como, en efecto, muchos siervos del sistema.

3
La soprano rusa Elena Nebera interpretó el rol protagónico, con una emisión siempre a full, sin matices, tensa, que se mostró en la irregularidad de los ataques y en la estridencia de su registro alto que no culminó en un grito de libertad de su personaje, sino de ella como cantante.

La trayectoria del maestro Francisco Araiza, sin duda el más legendario tenor mexicano de las últimas décadas, dificulta hablar de su Don Florestan sin parecer irreverente. Caracterizado casi como Beetlejuice, con una voz cuya técnica no alcanza ya a evitar gallos y una emisión guturalmente ensanchada, lo que más parecía decir es que inevitablemente los años, acaso los mejores, han pasado.

Mientras Araiza cantaba cada vez con menos aire “Gott! Welch dunkel hier”, podía reflexionarse que escasos artistas tienen el temple de verse a sí mismos en el ocaso y seguir siendo grandes. El enorme Clint Eastwood da lecciones de ello en Space Cowboys, es de Oscar en Unforgiven e insuperable en Gran Torino. Pero los Clint, ya se sabe, no abundan en la ópera.

4
El bajo-barítono Carsten Wittmoser (Rocco) y la soprano María Alejandres (Marzelline) aportaron el canto más honesto y encomiablemente musical de la función, con frases cálidas, cuidadas, y buen desenvolvimiento histriónico. Si por algo Alejandres llegó a esta producción recién debutada de Covent Garden.

El tenor Emilio Pons (Jaquino) y el bajo Rubén Amoretti (Pizarro) también tuvieron una actuación destacable, en contraste con el bajo-barítono Guillermo Ruiz (Don Fernando), quien pese a lo breve de su papel fue abucheado.

5
Un punto muy alto en la presentación lo puso la batuta del croata Niksa Bareza. Sus tiempos, la imagen sonora buscada, el entendimiento de las voces, el trabajo al frente del Coro (preparado por Xavier Ribes) y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, resultaron admirables.

6
El equipo creativo igual fue abucheado por una minoría representativa. Mal. Bastante hizo esta propuesta con salir de telones, decorados y todos esos elementos que extasían a la vieja guardia. Bien. Se trató de una producción muy por arriba de lo que puede verse de común en México, incluso al nivel de muchos teatros internacionales. Y para como están las cosas en la CNO, donde no hay ni director fijo, si días antes el maestro Araiza aseguró en entrevista que la ópera en México es “una catástrofe total”, ello no es logro menor.

Este Fidelio mexicano, aun sin John Coffey ni Mr. Jingle, pudo llevar el título en español de otra gran obra que se desarrolla tras las rejas: Milagros inesperados. Porque, ¿acaso fue algo más?

Ansiedad

2010-11-30T11:30:00.001-06:00

LILIANA COLANZI - Fuente Hernán Andía Los Tiempos

"...Hubo una época en que nos resistimos a crecer, en que intentamos postergar indefinidamente el ingreso al mundo adulto, frívolo y corrupto. Quisimos detener al tiempo. Luchamos por una batalla que ya estaba perdida de antemano. Había belleza en esas luchas inútiles. En los gestos heroicos. Luego crecimos y fuimos expulsados del territorio confuso, hermoso y terrible de la adolescencia. Se acabó el desorden pero también perdimos la inocencia...".

(...)

"...Tiene una inteligencia precoz, pero también puede mostrarse terriblemente inmaduro. El origen de su ansiedad radica en que no ha encontrado la forma de detener el tiempo para preservar a los seres que ama en estado de perfección, de pureza. Sus esfuerzos son tan inútiles como conmovedores...".

Liliana Colanzi

Salinger: El sonido de la palmada de una sola mano

Cambiando

2010-11-30T11:00:00.001-06:00

"Los tiempos estaban cambiando velozmente, sólo que entonces no nos dábamos cuenta y yo no entendía que el mundo de mis padres podía ser mi mundo, que sus pérdidas también serían las mías".

"1997"

Vacaciones permanentes

Liliana Colanzi

Estar seguro

2010-11-26T03:28:00.001-06:00

"Un par de dilemas, serios traumas, decisiones que tomar. ¿Qué hacer? ¿Virarse? ¿Mandar todo a la cresta? ¿Escapar?

"¿Qué pasaría? ¿Pasaría algo? Imagínate. Piénsalo un poco, pongamos las cosas en la balanza.

"¿Qué pasaría? ¿Qué?

"Y si te fueras, por ejemplo, si te marcharas sin mirar atrás, asumiendo la soledad, sabiendo que puede ser un error, un grave error, pero que igual te sentirías bien, ¿lo harías? Perderías la seguridad pero, ¿qué significa estar seguro? ¿Alguien lo está? ¿Podrías admitir, sin hacer trampas, que realmente estás seguro?

"Hay preguntas que es mejor dejar sin responder, ¿no?".

Mala onda

Alberto Fuguet

Tercer Encuentro Universitario de la Canción Mexicana de Concierto: entrevista con Verónica Murúa

2010-11-25T19:25:00.000-06:00

La nota principal de la sección cultural del periódico El Financiero del lunes 22 de noviembre fue un texto mío. Se trata de una entrevista con la soprano Verónica Murúa sobre el Tercer Encuentro Universitario de la Canción Mexicana de Concierto, que se celebra durante esta semana. La coloco ahora acá. En realidad, la principal incluye dos textos, pero igual. Aquí los dejo.

Tercer Encuentro Universitario de la Canción Mexicana de Concierto
Lunes 22 de noviembre de 2010
El resguardo de nuestra música nos da seguridad: Verónica Murúa
x José Noé Mercado

Antes que nada, Verónica Murúa se ve a sí misma como cantante. Es soprano: "La mayor satisfacción para mí es el momento en el que estoy en el escenario haciendo música", dice. Se ha presentado en foros de Estados Unidos, Europa y, desde luego, México. Aunque es ingeniera química, igual tiene licenciatura y maestría en canto, arte del que también es profesora.

Pero esta vez dialoga en su calidad de coordinadora del Tercer Encuentro Universitario de la Canción Mexicana de Concierto, que se celebra a partir de hoy -y hasta el domingo 28 de noviembre- en cuatro sedes: la Escuela Nacional de Música (ENM), el Museo Nacional de Arte (Munal), la Casa del Lago y el Museo Diego Rivera Anahuacalli.

Verónica Murúa camina por las calles de Coyoacán, barrio en el que desarrolla la mayor parte de sus actividades cotidianas. Atardece. Un viento ligeramente helado y el crujir de las hojas secas que pisa mientras conversa anuncian que el invierno está cerca. Por fortuna, está abrigada y una bufanda enrosca su largo cuello.

-¿Es posible hablar de una identidad de la canción mexicana, más allá de la nacionalidad de sus autores?

-Hay ciertos giros armónicos y melódicos que distinguen nuestra música, pero es muy difícil definir qué es lo verdaderamente mexicano. El ser humano tiene necesidad de pronunciarse ante su sociedad, por lo que nuestros compositores expresan vivencias personales distintas entre sí, como el caldero de influencias que somos como país. Por eso tenemos melodías populares a la italiana, revolucionarias, polifonía del siglo XVI y XVII, una educación europeizante durante cinco siglos, porfirismo francés, música pop norteamericana, modal, nacionalista, atonal, serial o de instrumentos prehispánicos. Lo que me parece importante es que esas voces se escuchen para que la misma sociedad comprenda qué es lo que la define.

Al llegar a uno de sus restaurantes preferidos, Verónica Murúa no ordena la ensalada que tanto le gusta, con lechuga, pera y queso azul. Sólo pide un té de frutilla que bebe aún humeante a la vez que habla sobre los objetivos y el origen del Encuentro Universitario de la Canción Mexicana de Concierto:

-La misión del proyecto es, por un lado, proporcionar un foro de expresión para maestros, compositores y jóvenes intérpretes del quehacer musical del país. Por otro, quizás el más importante, crear a través de este marco la responsabilidad compartida entre artistas y público de resguardar, difundir y apreciar un patrimonio propio. Hay muchas razones por las que es ya una realidad. Al participar en la revisión de planes de estudio en la ENM me di cuenta de que no existía una cátedra de música vocal mexicana como tal; que se cantaban obras en español del repertorio iberoamericano, pero el énfasis era siempre hacia la ópera, la canción de arte de otros países y el oratorio. También, después de que recopilé y grabé un disco de música mexicana, Francisco Viesca, el director de la Escuela, apoyó la idea de compartir este material con las nuevas generaciones, por lo que en el cedé se incluyeron las partituras imprimibles y se creó este encuentro para que las nuevas voces puedan conocer y mantener viva nuestra música.

-¿En qué consiste el encuentro y quiénes participan?

-Intervienen aproximadamente 70 personas a lo largo de siete días, en 17 programas diferentes, todos gratuitos. Se presentarán más de 200 obras vocales de compositores nacionales, además de conferencias, la ópera La leyenda de Rudel de Ricardo Castro y la zarzuela Chin Chun Chan de Luis G. Jordá. La programación completa puede consultarse en la página www.enmusica.unam.mx en la liga Extensión académica. Participa primordialmente el Claustro de Canto de la ENM con todos sus miembros: los maestros, que no sólo han preparado a sus alumnos, sino que, algunos, participarán también como intérpretes, conferencistas o directores de ensambles; los pianistas acompañantes y por supuesto los alumnos de la Escuela. Asimismo, tenemos participación de becarios del Fonca y de alumnos de la Escuela Superior de Música, además de tres maestros invitados de otras cátedras: Juan Carlos Laguna, Teresa Frenk y Carlos Alberto Pecero.

-¿Qué distingue a esta tercera edición respecto de las anteriores?

-La diferencia es abismal, sobre todo en cuanto a compromiso de los intérpretes. En 2009 realizamos una memoria discográfica casera, que este año se hará con ingenieros de sonido profesionales, por lo que todo mundo se ha preparado al máximo, en el entendido de que lo mejor del encuentro se plasmará en el nuevo disco. También en esta edición se hacen obras que requieren mayor demanda vocal, ciclos completos, obras integrales o piezas con requerimientos electrónicos, por ejemplo.

-¿Cuál es la dificultad de organizar un encuentro como éste?

-Un proyecto apoyado por varias instancias presenta desde su génesis una problemática de repartición de funciones que a veces no queda muy clara. El reto es convencer a todos los participantes de que éste es un proyecto de beneficio social; que la canción mexicana es un distintivo musical de lo nuestro, que el resguardo de esa tradición nos define y nos da seguridad, y que si bien es cierto que los intérpretes tienen las luminarias del escenario, la realización de un cartel de publicidad, la afinación de un piano, un atril en su lugar, la impresión de un programa de mano, la limpieza de los espacios, resulta igual de importante para que la maquinaria funcione. La difusión es nuestro punto más débil. No tenemos presupuesto para ello. Difundimos las actividades, básicamente, a través de las redes sociales. Por eso agradecemos mucho cuando medios de mayor impacto como Opus 94, Radio UNAM, la revista Pro Ópera o ahora EL FINANCIERO nos brindan un espacio para dar a conocer lo que estamos haciendo por la música de nuestro país.

VERÓNICA MURÚA Foto: Ana Lourdes Herrera

APRECIAR

El Financiero

Lunes 22 de noviembre de 2010

x José Noé Mercado

* A Ponce y a Mozart

La labor de Verónica Murúa como coordinadora del Tercer Encuentro Universitario de la Canción Mexicana de Concierto "ha sido desde preparar alumnos en mi cátedra de música vocal mexicana hasta visitar a cada maestro para confirmar su participación y entusiasmarlo en poner repertorio nuevo rescatado de los acervos de la ENM o bibliotecas personales; confirmar cada recinto, horarios, ensayos; difusión; recopilar los programas de cada profesor para el diseño del programa general; coordinar la reedición de algunas partituras escritas a mano o contratar a los ingenieros de sonido".

Pero Murúa es, en primer lugar, cantante. Por ello, en esta edición del encuentro la soprano cantará cuatro canciones de Estanislao Mejía en el concierto de Compositores Universitarios, el martes 23, a las 20 horas; interpretará el personaje de Segolaine en La leyenda de Rudel, el viernes a la misma hora en la Sala Xochipilli de la Escuela Nacional de Música. Y, finalmente, el domingo 28, en el Museo Diego Rivera Anahuacalli, repite en la ópera de Ricardo Castro, a las 16 horas.

-Es un buen estímulo para cantantes que aún buscan su razón de vida profesional que una artista como usted alterne con ellos...

-No lo había pensado así, pero creo que sí lo es. Los maestros somos modelos a seguir de los jóvenes, por lo que debemos tener cuidado en ser siempre impecables. Yo sólo pienso en dar lo mejor de mí cada vez que subo al escenario y en mis clases. Mi enseñanza constante como intérprete y maestra es no esperar a que vengan de otros países a reconocernos o conquistar el extranjero para hacer bien las cosas. La vida se va en un instante, las oportunidades de aprender, de ser felices con lo que se hace son, ahora, en el lugar donde vivimos. Es momento de cancelar la idea de que lo otro es lo único que vale, reconociendo lo nuestro. No por esto quiero decir que no me fascina cantar Mozart o Verdi, pero he aprendido que cada compositor es una nueva oportunidad de encontrar otra manera de entender al mundo, lo cual te hace un ser humano más rico.

Verónica Murúa distingue ahí la importancia fundamental de este encuentro: en que los participantes "descubran de qué está hecho su pueblo, cuáles son las temáticas y emociones que le interesan; que sepan que en su escuela de música se aprecia a Ponce, Chávez, Lara, Del Moral o Moreno tanto como a Poulenc, Mahler, Schubert o Mozart, y así se sientan también valorados y parte de una sociedad que los acoge, los cuida y los respeta".

Ante un cadáver

2010-10-13T09:15:00.005-05:00

Hoy publiqué un texto en el periódico El Financiero sobre la situación actual de la CNO. Parece q acéfala o no, da un poco lo mismo. Tan así es q pocos habían reparado en q la cabeza ya no estaba. Quizás porque cuando estaba tampoco nadie había reparado mucho en ello. Eso. Dejo aquí lo escrito.

13 de octubre de 2010
La ópera respira cada día menos
Desde mediados de septiembre, acéfala la institución
~~Ante un cadáver (título original)~~
x José Noé Mercado
a v, que ya no es x

1
Cero relación con Manuel Acuña o la inquietud metafísica con la que proyectó uno de sus poemas más logrados. Acaso con el mismo azoro ante órganos de polvo tendido y yerto, pero aquí la idea es hablar de la Compañía Nacional de Ópera (CNO), institución que cada día respira menos, que se enfría, que se nos va.

2
Qué poco debe importarle a las autoridades del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) la CNO para no hacer un anuncio oficial de que su director, Alonso Escalante, dejó la oficina desde mediados de septiembre. ¿Qué otra cosa que no surja del desdén puede significar ese silencio? ¿Hacia dónde se dirigirá ahora la institución? ¿Tiene futuro, cuando exhibe tan poco presente?

3
¿Qué tan interino será en el despacho de la CNO Jaime Ruiz Lobera, blogger, promotor cultural y hombre cercano del Subdirector General del INBA, Sergio Ramírez Cárdenas, si se considera que Alonso Escalante igual que su antecesor, José Areán, duró poco más de año y medio en el puesto?

Es sintomático que desde el sexenio foxista todo titular de la CNO en rigor no ha pasado de ser un desangelado interino. Primero ingenuo caudillo y al poco rato seudo redentor arrepentido y negado interlocutor.

4
La gestión de Alonso Escalante se caracterizó al principio por cumplir los tinglados que heredó. Con títulos, creativos y elencos que ni a él mismo convencían.

Una segunda vertiente de su labor intentó una programación condicionada por la eventual falta de un recinto base, el alto costo de presentar en sedes alternas, carencia de acervo de producciones para reponer, y todos los lastres legales, sindicales, burocráticos y artísticos que la CNO arrastra de años y que la alejan de ser una institución eficiente, ejemplar en su labor, transparente en su selección de elencos y creativos invitados, con capacidad para gestionar recursos económicos, administrativos, jurídicos, creativos y de ingenio que le permitan operar con dignidad.

Nadie ha notado la ausencia de Alonso Escalante al frente de la ópera mexicana

5
En 2009, se presentaron 6 títulos operísticos, cuyas funciones sumadas a las presentaciones de concierto, algunas de ellas callejeras, dieron un total de 32, lo que entró en el bajo promedio anual de los últimos 15 años de la CNO. En lo que va de 2010, se han presentado cuatro óperas para un total de 16 funciones.

Para esas nimiedades, ¿tiene razón de ser? ¿Se justifica el gasto en una institución que no tiene presencia nacional, hace poco y nada de ópera y que como compañía carece de cantantes solistas base, director musical fijo, teatro propio, presupuesto seguro, programación definida que se cumpla y una oferta constante de títulos de repertorio básico y de propuesta?

Más de 150 integrantes de la Orquesta y Coro del Teatro de Bellas Artes, sus respectivos personales y pianistas, con un sueldo mensual promedio de 16 mil pesos, más prestaciones, bonos, aguinaldos y sobresueldos por presentaciones fuera del Palacio de Bellas Artes, más cerca de 15 miembros de personal de oficina, todo para presentar unas 150 funciones al sexenio, unas 0.068 diarias, menos de 40 montajes cuyo costo de producción y pago a cantantes invitados ronda, más o menos, los 5 millones de pesos cada uno:

Eso es la Compañía Nacional de Ópera, una suerte de oneroso restaurante donde sólo se enciende la estufa cada dos o tres o meses.

6
En los años 80, los de Ignacio Toscano y Enrique Patrón de Rueda al frente de la CNO, se ofrecían más de 85 funciones operísticas al año. Una proyección sexenal de esos números equivaldría a 510 funciones, casi 350 por ciento más actividad que la actual.

Si a ello se suma la rica tradición operística de nuestro país y el público numeroso con el que ha contado este arte en México, es inevitable preguntarse cómo es que nadie advirtió el suministro metafórico pero constante de un veneno lírico en la administración pública de nuestra ópera, cuyos efectos ahora contemplamos.

7
La actual situación del ambiente operístico en México es como la de una familia disfuncional que se niega a hablar de sus problemas para resolverlos. O para determinar que ya no es posible. Es mejor callar. Al menos en lo público. Evocar las buenas conciencias, aunque algo deforme hieda en ellas.

En lo privado, entre cantantes, directores, creativos, abunda la frustración de talentos, amarguras, rencores, envidias, suspiros y sueños húmedos por el extranjero desde donde, a veces, algunos de los que llegan miran en menos a sus pares cuya condición les recuerda lo que ellos mismos eran. Grillas, cotilleos. Que dañan. Que fracturan.

Pero pocos se atreven a decirlo en voz alta, porque esperan a Godot. Aguardan el llamado de la CNO que no sólo implique un contrato que alivie las penurias financieras personales, sino sobre todo las del alma, las del reconocimiento artístico, las del exitismo que, paradoja terminal, casi nunca les llegará en un sistema en estado vegetativo como éste que consienten.

El silencio de otros no es iluso, sino convenenciero. Para no perder la plaza o el sueldo por conciertos casi fantasmales en su público y calidad. Por ganarse el favor del funcionario en turno, por ser parte de la camarilla.

8
LA CNO llegó a semejante falla orgánica que el nuevo ungido ni siquiera enfrentará retos. Sencillamente está condenado, con un jugoso sueldo que consuele tal pena, a repetir la suerte de sus antecesores, pues no hay margen ni condiciones de operación. Quizás convendría reconocer ya a esta institución como un cadáver. Zaratustra enseña que sólo donde hay sepulcros habrá resurrecciones.

Música legible: Cárdenas/Páramo

2010-09-12T17:38:00.022-05:00

Encuentro en este momento el tiempo para colocar lo que publiqué en el periódico El Financiero esta semana. Dos libros sobre música. Uno de Sergio Cárdenas. El otro de José Alfredo Páramo.
Eso.

Miércoles 8 de septiembre de 2010

Música legible
Cárdenas / Páramo
x José Noé Mercado

Track 1: ensayos

En el mejor de los casos, hacer música es un arte. Compleja quizás, por sus requisitos de talento y disciplina, balance técnico y emocional, pero en todo caso una actividad ampliamente disponible en su fase de ejecución. Quien la busca la encuentra. En cambio, más infrecuente que los intérpretes, incluso que los compositores, críticos o públicos más o menos cultivados, es el ser que reflexiona intelectualmente sobre el fenómeno musical, el que piensa sobre ella.

El director de orquesta Sergio Cárdenas (Ciudad Victoria, Tamaulipas, 1951), compositor, promotor, académico, es lo que hace. Dirige sus capacidades racionales, su experiencia y sensibilidad para ensayar sobre música en el libro Una dimensión no lineal, publicado como parte de la colección Cuadernos de El Financiero dirigida por Víctor Roura.

Una dimensión no lineal toma el nombre del primero de los diez ensayos que componen este libro escrito con un lenguaje preciso y didáctico, cuya claridad expositiva sumerge de inmediato en consideraciones tan fundamentales como posiblemente polémicas y apasionantes del fenómeno musical.

La esencia del sonido y sus armónicos, en contraste con fenómenos acústicos sintetizados que pueden llegar a la degeneración, al ruido, o el abuso del metrónomo que impone tiempos lineales, en detrimento de un ritmo vital que permite el devenir y que la música sea “tiempo sustraído del tiempo”, son algunos de los tópicos que el lector podrá reflexionar sobre su propia vivencia y concepción melómana.

Odiseas ante burócratas que retiran apoyos musicales por considerar que en sus feudos hay “exceso de cultura”; discursos ante el reconocimiento genuino a una trayectoria; revalorizaciones sobre música mexicana y algunos de sus intérpretes o hermenéutica musical de la mano de maestros como Nikolaus Harnoncourt, Sergiu Celibidache y Wilhelm Furtwängler como método para encontrar la verdad de una obra, son vertientes del pensamiento musical que hacen imprescindible este trabajo sonoro pero escrito de Sergio Cárdenas.

Este libro ensayístico de 80 páginas, enriquecido con datos, argumentos y citas de grandes nombres de la música y la literatura, que dan cuenta además de la amplia referencia intelectual de Cárdenas, salió a la venta el pasado mes de junio, pero hace ya más de un mes que agotó el tiraje de la edición. Por algo será.

Track 2: anécdotas

José Alfredo Páramo no es un cronista musical escandaloso o estrafalario. Pero su pluma, a lo largo de 60 años, ha sido constante y con devota congruencia ha promocionado el arte sonoro en varias generaciones, a través de las páginas de Excélsior, El sol de México, La voz de Michoacán y El Economista, entre otros medios en los que ha colaborado.

Ahora, bajo el sello editorial LUZAM, tercer volumen de la colección Biblioteca Musical Mínima que dirige Fernando Díez de Urdanivia, el profesor Páramo reúne en Allegro Molto: 60 años de anécdotas un puñado de paisajes musicales de entre centenares de textos que ha publicado en las últimas décadas.

El maestro de la Escuela de Periodismo Carlos Septién García no pretende resumir aquí la historia de la música que ha presenciado, sino, de manera más sencilla y acaso entrañable, compartir su carnet de identidad melómana y cómo ha sido sellado a lo largo de su vida con su familia, los artistas, los conciertos, las grabaciones, los alumnos y compañeros de trabajo, el público y su propia sensibilidad en momentos simples tanto como en los de mayor alegría y también en los de más oscuro duelo.

A lo largo de 174 páginas, salpicadas con caricaturas dibujadas ex profeso por Rafael Ruiz Tejada, mejor conocido como Rruizte, José Alfredo Páramo brinda al lector un anecdotario rico y culto, de prosa sin particular épica o lirismo, más cercano a la gracia ingenua que a las risas bufonescas, a la comprensión bondadosa que a la crítica acerba, pero con el temple presumible, y envidiable, de quien se acerca a la sinceridad de su pensamiento musical.

Lírica sustituta

2010-08-24T15:59:00.007-05:00

Hoy se publicó en el periódico El Financiero este texto que despaché sobre dos atractivas grabaciones que llegan al quehacer lírico mexicano, que cada vez tiene menos actividad digamos del primer nivel profesional en vivo. Por eso, aquí los discos -videos, libros-, más que un complemento o una opción son un sustituto.

Igual me parece algo curioso seguir escribiendo sobre formatos físicos, cuando ahora la tendencia es el soporte electrónico (si bien hay una subcorriente fashion que ahora vuelve al LP, nótese con los diyeis). Tiene su encanto indudable, parecido al de aún leer en papel. Aunque yo cada día leo más ebooks. En fin, eso. Dejo entonces lo que escribí.

24 de agosto de 2010

Lírica sustituta
Dos grabaciones
x José Noé Mercado

Cuando las grabaciones discográficas son el natural suplemento de un entorno líricamente activo o si tienen que volverse obligado sustituto ante la casi nada, caso mexicano, conviene tener opciones relevantes en la mira. Aquí dos de última generación.

Lado A: la soprano de México

La soprano Irma González, fallecida el 4 de diciembre de 2008 a los 92 años de edad, es una referencia imprescindible de la actividad operística de México, no sólo porque su presencia en los escenarios nacionales y extranjeros constituye en su momento la carrera profesional más longeva registrada en nuestro país, extendida por 5 décadas: de 1938 a 1988. Lo es también por haber poseído un bello y caudaloso instrumento que transitó ejemplarmente desde el repertorio de lírico-ligero hasta llegar al dramático, con una inigualable huella de musicalidad, rigor técnico y potencia expresiva.

Escasos eran los registros sonoros que documentaban su gesta vocal y no en el terreno operístico. Hasta hoy, que bajo el sello Urtext aparece el álbum doble Irma González en vivo 1945-1965, producido por el musicólogo Francisco Méndez Padilla, cuya anterior entrega sobre esta diva mexicana fue su investigación plasmada en el libro Irma González, soprano de México (UNAM, 1996).

En el booklet del álbum, Méndez Padilla explica que algunos de estos materiales de quien considera la figura femenina más importante que ha tenido la lírica en México provienen de estaciones de radio: XEW, XEQ y otros de fuentes que documentan funciones de ópera en el Palacio de Bellas Artes, conciertos sinfónicos y recitales.

El disco incluye 27 tracks, en los que la voz de Irma González aborda pasajes operísticos con una capacidad interpretativa notable que logra dejar en último plano inevitables ruiditos de las fuentes originales, en este caso típicos de los LP o las tomas en vivo. Escucharla como la gran heroína pucciniana que fue, abordar con opulencia a Verdi, Mascagni, Leoncavallo, Giordano, Boito, Massenet, Bizet y Chaikowski, definitivamente vale tolerar cualquier scratch. E incluso, por un tiempo, el credo que todo buen necrofilírico tiene por dogma: que todo tiempo pasado fue mejor.

Lado B: de la Independencia a la Revolución

Posromanticismo Mexicano / Antologia de obras para voz y piano es un disco doble interpretado por la soprano Verónica Murúa, quien es acompañada por Ninowska Fernández Brito, Ángel Rodríguez y Arturo Uruchurtu.

Con sello de la Escuela Nacional de Música de la UNAM y su Dirección General de Asuntos del Personal, en este álbum -que además incluye las partituras imprimibles y pistas MIDI-, Murúa canta 29 piezas de compositores nacionales: Octaviano Valle, Melesio Morales, Miguel Planas, Ángela Peralta, Julio Ituarte, María Garfias, Gustavo Campa, Julio Morales, Ricardo Castro, Miguel Lerdo de Tejada, Luis Jordá, Salvador Pérez, Francisco Nava, María Fajardo, Arnulfo Miramontes, José Perches Enríquez y Emilio de Nicolás.

Verónica Murúa también se encargó de la investigación y selección del programa que integra este disco, que con sensibilidad y gusto permite reparar en un periodo importante de nuestra música que va de la Independencia a la Revolución y en cómo incorporó la influencia de escuelas como la italiana, española o francesa, hasta configurar un rostro propio, que podríamos considerar nacional.

Murúa pertenece a una generación de cantantes mexicanos jóvenes que se consolidan gracias a un trabajo emprendedor y constante, a una labor docente generosa y honesta y a la inquietud de cristalizar proyectos de genuino amor al arte. En el apartado vocal, es poseedora de un hermoso timbre tan emotivo que recuerda a la hora mágica, ese instante del día en que ha anochecido pero aún queda luz diáfana en el horizonte. Así se escucha, con una voz de revitalizante frescura que combina con una técnica solvente, madura y de virtudes estéticas innegables, en este disco que será presentado el jueves 26 de agosto en el Museo Nacional de Arte, a las 19 horas.

No era un sueño

2010-08-24T00:14:00.000-05:00

"Quería algo que no era la escritura. No tenía ganas de pensar, hurgar sentimientos, esas cosas que uno hace cuando escribe de veras. Quería perderme, sacarme el cuerpo, irme de mí.

"No era un sueño. Se me ocurrió que esto no era un interludio que más temprano que tarde daría paso a la vida normal. Se me ocurrió que la vida sería así de ahora en adelante. Si se trataba de eso, entonces valía la pena vivir los sueños y hacer como si la vida fuera el sueño o la pesadilla".

Los vivos y los muertos

Edmundo Paz Soldán

Posromanticismo mexicano

2010-08-23T23:59:00.000-05:00

Ahí estaré, este jueves 26 a las 19 en el Museo Nacional de Arte, en la presentación de este disco de la soprano Verónica Murúa.

Será entrada libre.

Replicante agosto-2010

2010-08-23T17:58:00.000-05:00

El número de agosto de la revista Replicante, se dedica a la relación bipolar entre Estados Unidos y México. Aunque además de la temática principal, como siempre, el lector puede consultar un abundante contenido.

Mío puede encontrarse una versión recargada de mi texto sobre el libro Missing de Alberto Fuguet.

Eso.

Missing: Fuguet narra de verdad

2010-07-21T10:09:00.000-05:00

UPDATED: Por estos días, Alberto Fuguet visita México. Estuvo en el Hay Festival of Literature an the Arts de Zacatecas hablando de libros y cine. Igual presentó Velódromo, su nuevo largo. Y ahora anda en DeEfe, para promocionar Missing, su más reciente libro-investigación, publicado por Alfaguara Chile en 2009, y que ya llegó a nuestro país. Hace unos tres meses, en avanzada, escribí sobre ese libro. Creo que viene bien repostear el texto. Aquí va.

Hoy publiqué un texto en el periódico Excélsior sobre el libro Missing de Alberto Fuguet. Como lector, siempre me entusiasma que el autor se la juegue con un tema que le afecte. Eso garantiza cercanía, involucramiento y, de alguna forma, uno siente que ha valido la pena leerlo. Que no se desperdició tiempo, esfuerzo, ni dinero. Fuguet aquí se la juega, con un auténtico tour de force que como lector no puede más que leerse con avidez y al final agradecerse. Bien. Eso. Coloco el texto a continuación.

Excélsior 20-abril-2010
Fuguet narra de verdad
x José Noé Mercado

En la entidad narrativa del escritor y cineasta chileno, Alberto Fuguet, se distinguen temas que se le volvieron obsesiones y fuente de creación, desde sus primeras obras. La fascinación por la oveja negra, por la persona que se pierde, que se sale del camino y se va en aras de encontrar su lugar en el mundo, es una de las más fuguetianas y está presente en Missing (Alfaguara, 386 pp.), su más reciente libro, que en julio llegará a México.

Novela de no ficción o documental por escrito, Missing muestra en funcionamiento la cantera y la maquinaria creativa de Alberto Fuguet, quien aparece como personaje en este libro y a través de su narración convierte a su familia, con nombres y apellidos reales, en protagonista de una saga emocionalmente intensa y conmovedora.

La desaparición de uno de sus tíos es el punto de partida de esta historia, que su sobrino, Alberto, describe así: “En 1986 mi tío Carlos Patricio Fuguet García se esfumó de la faz de la tierra, desde la ciudad de Baltimore, en el estado de Maryland, Estados Unidos, lejos de su Santiago de Chile natal. Simplemente dejó de llamar por teléfono y las cartas comenzaron a ser devueltas…”.

Los padres de Carlos y sus dos hermanos se habían trasladado a los Estados Unidos de los 60. La posición socioeconómica de la familia en Chile se había venido a pique. “Mi abuelo”, explica Alberto, “era un resentido, un atado de frustraciones, un inseguro lleno de miedos y celos y egoísmos”. Estaba preocupado por el qué dirán y una vez, luego de que perteneció incluso al Stadio Italiano, fue abordado en su taxi por una pariente. La evidencia de ser taxista lo rebasó y partió con el sueño americano en la mente hacia Estados Unidos.

El trasplante, sin embargo, produjo un shock en Carlos, en su naturaleza. Fue llamado al servicio militar, no para combatir en Vietnam, como su hermano Javier, pero sí para estar en una base en Waco, Texas, lo que quizás lo dañó más, porque entró en contacto con el trasnochado ambiente borderline, en la frontera con México. Después se casó con una gringa de piernas largas, aunque no por mucho tiempo. Comenzó a tener problemas con la ley, estuvo preso un par de ocasiones y se volvió un aventurero padrote que lo mismo paseaba en Cadillac, se amanecía en bares de bajo mundo o partía a gastar dinero de desfalcos a Las Vegas.

“Carlos”, dice su sobrino Alberto, “comenzó a vivir uno de los mitos americanos más enraizados. Es decir, la idea de no tener raíces, de andar como rolling stone, de que el camino es tu verdadera casa, de que nunca tienes que anclarte a nadie. Mi tío se transformó en el más americano de mi familia, justamente porque no cumplió jamás el sueño latinoamericano del inmigrante, que me parece una ruleta rusa porque si bien mucha gente gana en ella, aquellos más débiles, la mayoría, pierde. Y pierde mucho”.

Carlos se perdió. “No quería ojos conocidos mirándolo u opinando”, considera Alberto. “Deja de molestarnos, deja de existir. No existes para mí. Sólo me has traído problemas. No queremos verte nunca más. No me interesa que seas hijo mío”, le dijo vía telefónica Jaime Pedro Fuguet Jover a Carlos, quien sencillamente obedeció.

“En ese momento, Carlos desaparece del mapa”, detalla Alberto, “lo fascinante es que en mi familia nadie lo buscó. Era como decir: por qué vamos a andar buscándolo, si ya jodió demasiado. Ahí es cuando consideré que yo podría entrar en esta historia. Ahí, digamos en 2003, inicia mi investigación como periodista y escritor. Consideré que a mí me tocaba buscarlo, real y literariamente. Cualquiera que fuese el resultado: si aparecía muerto, preso, en una secta de mormones o dueño de un imperio porno en el valle de San Fernando, el resultado sería satisfactorio. Habría libro igual”.

En efecto, Alberto Fuguet aparece en Missing como detective, pero no uno salvaje. Se transforma, más bien, en un investigador minucioso y sensible que desentraña los hilos de su familia y de él mismo. Como personaje, es motivado por la admiración y el aprendizaje de una vida que no tuvo, pero que pudo tener y por eso termina comprendiéndola a modo de exorcismo.

Pero es como narrador que Alberto Fuguet será recordado en Missing. Con una escritura resuelta y provocativa que encuentra una sobredosis de matices en sus personajes y circunstancias. Con una prosa ágil y una estructura que en su reflejo de libertad en buena parte del libro aparece con letra minúscula y ni siquiera llena la página, Missing contiene emociones y tempestades, pero se mantiene bajo control absoluto del autor. Desde luego, para saber el resultado y los detalles de la investigación hay que leer el libro. Aunque sería impreciso decir que Alberto Fuguet encontró a su tío. En rigor, quienes lo encuentran son los lectores de Missing.

Replicante julio-2010

2010-07-21T09:59:00.003-05:00

UPDATED: ABAJO COLOCO EL BOLETÍN COMPLETO DE ESTA EDICIÓN.

La revista Replicante, en su edición de julio, aborda como tema central el periodismo y los periodistas. Numerosas plumas brindan diversos enfoques y lecturas sobre la actualidad del ejercicio periodístico en nuestro país y en el mundo. Igual vienen una gran cantidad de temas, secciones, columnas y demás contenidos que hacen de esta publicación cultural una de las mejores.

Yo escribí un ensayo sobre los Retos periodísticos del siglo XXI, y ahí reflexiono sobre periodismo digital, medios convergentes, redes sociales, ética, periodismo contextualizado, la esencia del oficio-profesión, y, creo, mucho más. Para leerlo, aquí dejo de nuevo el link.

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Replantear el periodismo en la era de la (sobre)información

Joseph Pulitzer

La revista cultural Replicante lanza su cuarta emisión digital con un tema siempre actual y polémico: el de los profesionales del periodismo. En los primeros diez años de este siglo el periodismo ha enfrentado nuevos retos, como el de los usuario-lectores de la Red, los formatos multimedia y los metamedios, la inclusión de nuevos observadores-relatores (el llamado “periodismo ciudadano”), la figura del defensor del lector, la nueva dinámica en la era de la información y, en suma, cómo abordar una nave que ha zarpado hace ya más de dos décadas, como apunta José Noé Mercado en “Retos periodísticos del siglo XXI” y lo expresan periodistas y analistas como Gerardo Galarza (Excélsior); José Gil Olmos (Proceso); Alejandro Hernández (consultor en Comunicación política); Carlos Ramírez (columnista de El Financiero y director del Grupo Transición) y Raúl Trejo Delarbre (investigador del Instituto de Investigaciones Sociales de la UNAM), entrevistados por Ariel Ruiz Mondragón.

En este contexto, los mismos periodistas escriben y reflexionan sobre su trabajo. También académico, Juan Carlos Núñez pregunta “¿Para qué queremos periodistas?”, a la vez que el investigador español Pablo Santiago hace un necesario “Elogio del periodista indeseable”, aquel que desvela la corrupción y el mal funcionamiento de una sociedad. Luis Castrillón entrevista a Jean François Boyer, director de Le Monde Diplomatique en español, que descubre las falacias en torno de los “periodistas ciudadanos”, en tanto que Édgar Velasco señala los límites entre lo público y lo privado ante el vértigo de la información electrónica.

Hunter S. Thompson

Casos de corrupción, violencia y poder son expuestos por Diego Enrique Osorno (las mujeres golpeadas y violadas en Atenco), Juan Carlos Hidalgo (el caso de “La Sosa Nostra”) y Édgar Onofre (“La amistad en la nómina”). Por su parte, Miguelángel Díaz Monges pinta un memorioso y cálido retrato de uno de los mayores periodistas culturales mexicanos: Huberto Batis; Avelina Lésper escribe esta vez sobre el fallido periodista cultural que sucumbe ante el boletín de prensa, y Jorge Flores-Oliver, además de las semblanzas de dos grandes: Norman Mailer y Hunter S. Thompson, hace el recuento de los mejores exponentes de la literatura gráfica y su versión de los grandes acontecimientos de la historia reciente.

Ante la muerte de Carlos Monsiváis y José Saramago los periodistas y escritores Malú Huacuja del Toro, Alberto Chimal, José Israel Carranza y otros expresan testimonios y memorias en torno de dos de los intelectuales más controvertidos de las últimas décadas.

Además, en las distintas secciones deReplicante se ofrecen los habituales ensayos literarios, crónicas y reseñas sobre temas tan diversos como el documental de Oliver Stone Al sur de la frontera, sobre Hugo Chávez; la crítica del reality showdel Canal 22 Opera prima, y las galerías de plástica y gráfica, entre muchos contenidos más de arte, literatura, cine, música, cómic, política y sociedad.

Los columnistas de Replicante también abordan en esta edición temas relacionados con el periodismo, las narrativas transmediáticas, la literatura gráfica, el teatro, la política, la música experimental, la tecnología y los viajes alrededor de la Red.

Metido en el mismo saco

2010-07-15T20:28:00.004-05:00

"El primer capítulo consistía en una especie de declaración de guerra donde Blomkvist no se mordía la lengua.

"Durante los últimos veinte años, los periodistas de economía suecos se habían convertido en un grupo de incompetentes lacayos que, henchidos por su propia vanidad, carecían del menor atisbo de capacidad crítica. A esta última conclusión había llegado a raíz de la gran cantidad de periodistas de economía que, una y otra vez, sin el más mínimo reparo, se contentaban con reproducir las declaraciones realizadas por los empresarios y los especuladores bursátiles, incluso cuando los datos eran manifiestamente engañosos y erróneos. En consecuencia, se trataba de periodistas o tan ingenuos y fáciles de engañar que ya deberían haber sido despedidos de sus puestos, o —lo que sería peor— que conscientemente traicionaban la regla de oro de su propia profesión: la de realizar análisis críticos para proporcionar al público una información veraz. Blomkvist reconocía que a menudo sentía vergüenza al ser llamado reportero económico, ya que, entonces, corría el riesgo de ser metido en el mismo saco que las personas a las que ni siquiera consideraba periodistas".

"Los hombres que no amaban a las mujeres"

Stieg Larsson

Tú sí estás nominado: Ópera donde la ópera no abunda

2010-07-09T11:20:00.002-05:00

Coloco el texto que publiqué en el periódico El Financiero sobre Ópera Prima: Las voces del Bicentenario.

Antes, un breve apunte sobre el rating que no pude incluir en el texto por cuestión de espacio: el público potencial al que se alude es de 25 millones de espectadores (por programa), pues la cobertura de Canal 22 es principalmente la Ciudad de México en señal abierta y por cable el resto de la república y algunos puntos de Estados Unidos.

Si Ópera Prima tuvo una audiencia total de entre 750 mil y un millón de espectadores (después de 7 programas, o sea antes de la gala final) estamos hablando de un rating aproximado de entre 0.42 y 0.57 puntos. Para entender estas cifras, es necesario consignar que el rating promedio de Canal 22, según su Subdirectora General de Programación y Producción, Eva Villarreal, es de 3.5 puntos. Villarreal, en el marco del 46 Festival Internacional de Televisión Praga Dorada, celebrado en República Checa en 2009, también expresó que las transmisiones de ópera en la televisora suelen tener un rating de 0.10 puntos. Es decir, Ópera Prima superó y por mucho ese rating operístico, aunque quedó por debajo de su promedio general.

Aunque no debe confundirse con el rating de las televisoras comerciales de cobertura nacional, cuyo universo de espectadores es distinto pues se calcula sobre una base de 28 ciudades en todo el país. En cualquier caso, todo rating es aproximado porque tiene diversas variables.

Eso. Dejo aquí el texto.

El Financiero
Miércoles 7 de julio de 2010
Tú sí estás nominado
Ópera donde la ópera no abunda
Por José Noé Mercado

1
El doctor Sergio Vela Martínez, ex presidente de Conaculta, explica los puntos a evaluar, emite juicios y traduce. Le acompañan en el jurado la soprano neoyorkina Julia Migenes; Alonso Escalante, director de la CNO; Xavier Adenot, representante de la Ópera de Massy; y el escritor y sabio Ernesto de la Peña.

Durante la última gala de Ópera Prima, el pasado 27 de junio, en el Teatro de las Artes, los miembros del jurado se dicen complacidos y en ratos extasiados, no obstante alguna pálida crítica perdida en la retórica, con los 5 cantantes finalistas, de quienes ya conocimos familias, pasiones desde niños, lo mucho que le deben al cuerpo docente de esta academia lírica de dos meses de duración y del que se han despedido con furtivas lágrimas a cuadro.

Como al jurado, las sopranos Patricia Santos, Leticia Vargas y Linda Gutiérrez; los tenores Alan Pingarrón y Ángel Ruz, cada uno con dos arias acompañadas por la OSJCCH y Enrique Barrios, extasían a un público VIP que no necesita vuvuzelas para ensordecer incluso al auditorio que sigue el evento por televisión, radio o Internet. La conducción de Claudia Ramírez, pionera de la serie, a la que se integró Julio Patán, hoy cuenta con Nicolás Alvarado y Jacaranda Correa para hacer más llevadera la transmisión que durará casi 4 horas.

2
Pocos proyectos operísticos en nuestro país presumen tantas instituciones en su organización y patrocinio como Ópera Prima: las voces del Bicentenario. SEP, Canal 22, Conaculta, INBA, Fonca, SNFM, CNO, FIC, Cenart, Pro Ópera A.C. o SIVAM, son muestra de los organismos que comprometieron recursos y esfuerzos para promover la ópera, descubrir talentos y la creación de público.

Nadie puede criticar una intención tan loable. Sin embargo, ante la realidad operística de México a nivel federal: la falta de un teatro propio, de actividades de alcance nacional, de presupuesto suficiente para operar con dignidad, de un catálogo de producciones de repertorio básico, de temporadas planeadas con anticipación, de funciones que generen el empleo necesario al talento que tenemos, decepciona el rostro del proyecto elegido: un reality show.

FOTO: CONACULTA

3
El reality show es, al lado del talk show, un formato cumbre de la neotelevisión, que se distingue de la paleotelevisión por insertar de modo más activo, real o simulado, a la audiencia.

Además de legitimar el discurso autorreferencial del emisor: tele sobre programas de tele, la inclusión de gente que muestra su vida real busca en primer lugar el rating entre la multioferta de contenidos y la tiranía del homo zapping que caracterizan la neotelevisión.

Para ello recurre a técnicas de seducción como aligerar contenidos, dirigirse al lado emocional del telespectador -la discapacidad es oro para el rating- o la hibridación de géneros que mezclan información y espectáculo, realidad y ficción.

Un reality show no muestra la realidad, sino deformaciones de ella. Pero la idea es que el espectador perciba una realidad más real y preferible a través de la televisión. Es hiperrealismo virtual. O, en palabras de Gérard Imbert, “una oferta de realidad con un componente imaginario fuerte”.

4
Paty, Alan y Linda obtuvieron los tres primeros sitios y 30 mil pesos mensuales por tres, dos y un año, respectivamente. Alan Pingarrón, quien es invidente, ganó además el Premio del Público consistente en 50 mil pesos. Los tres participarán en diversos conciertos bicentenarios y la ganadora cantará en una producción de la CNO, otra de la Ópera de Massy y una más del Teatro Argentino.

La vida profesional de los finalistas quizás cambie por este concurso. La situación operística de México difícilmente. Pero ésa no es responsabilidad de Canal 22 ni de un programa de televisión por más cultural que sea, sino de las instituciones de Estado encargadas de hacer ópera en México, que esta vez apostaron por el show.

Ópera Prima debe evaluarse en sus propios parámetros: una televisora pública, abierta y cultural, que optó por un género típico de la pantalla comercial. Su director, Jorge Volpi, anunció que el proyecto tendría un costo de 8 millones de pesos. Se recibieron 715 solicitudes para participar, se eligieron 22 concursantes, en un país de 108 millones de habitantes. Volpi habló inicialmente de un público potencial de 25 millones de espectadores. Luego de siete programas, declaró que Ópera Prima tuvo una audiencia de entre 750 mil y un millón de espectadores.

No son cifras exitosas para un reality. Pero quizás el verdadero éxito de Ópera Prima sea óptico, de encuadre. Acaso sin querer, logró captar un mundillo de ópera donde la ópera no abunda. De talentos esforzados por cumplir sus sueños, con ayuda de algún maestro o mecenas. En el que también pululan suspirantes al borde de la crisis vocacional, docentes chantas, funcionarios destronados con ansias de reivindicación, cantantes desbielados que aconsejan, opinadores quedabien y viejas figuras con nostalgia de candilejas.

Todo como híbrido, como mezcla de política pública cultural y programa de televisión crossover que interesó a los protagonistas y extras del show, mientras salieron en él. A pocos más. Por eso mismo, Ópera Prima, tú sí estás nominado.

Antes de medianoche: La Cenicienta en el Cenart

2010-07-05T15:17:00.012-05:00

Fotos: INBA

Para quienes me han dicho que en las recientes semanas sólo estaba inmerso en comentar la justa mundialista, y para quienes amablemente siempre se interesan en mis textos, aquí dejo lo que escribí sobre La Cenerentola de la CNO en el Centro Nacional de las Artes, y que se publicó hoy en el periódico El Financiero.

Y sí. En efecto. No he visto los 60 partidos de la Copa Mundial de Futbol Sudáfrica 2010 jugados hasta el momento, pero casi. Aún quedan 4 encuentros. Martes y miércoles vendrán las semifinales. Veamos qué ocurre. Ojalá una final Holanda - Alemania, que gane el equipo de Joachim Löw. Pero igual he craneado varios textos en estos días sobre varios temas. Sobre lo operístico, lo que escribí sobre Ópera Prima, pronto. Mientras esto.

Eso.

La Cenicienta
Lunes 5 de julio de 2010

Antes de medianoche
x José Noé Mercado

La ópera en México se volvió un cuento de hadas: el de La Cenicienta. Esta vez no porque la Compañía Nacional de Ópera (CNO) haya sido tantas veces la hermana maltratada de entre las instancias culturales de nuestro país: sin teatro, con presupuesto insuficiente y tardío. Tampoco por su toque de irrealidad y farsa por el que se escurren títulos largamente planeados y jamás presentados. Ni siquiera porque haya para quien esta institución esté muerta, cuando acaso más bien espera al príncipe azul que cambie su circunstancia.

Lo fue porque los pasados 13, 15, 17 y 20 de junio, en el Teatro de las Artes, la CNO presentó La Cenerentola de Gioachino Rossini, en una nueva producción en la que Juliana Faesler se encargó de la dirección de escena, iluminación y en escenografía compartió créditos con Moza Saracho, quien igual diseñó el vestuario.

Se trató de una propuesta refrescante, porque si bien es una ópera del repertorio belcantista tradicional, se distinguió por salir de la rutina y de las machacadas opciones que suelen configurar las temporadas líricas en México.

Sin dejar de percibir, no obstante, lo que parecería fuerte influencia de otras producciones en la puesta en escena, como la de Joan Font para el Liceo de Barcelona, en la que unos ratones lubrican las acciones al tiempo que son “el cojín emocional que acompaña a La Cenicienta”, en palabras del director artístico de Els Comediants. En región 4 en el Teatro de las Artes, y sin vestir de verde en saludable ignorancia de tiempos futboleros, estos ratones se dispusieron para aligerar la obra al público infantil, pero de tanto se volvieron hiperlactantes y más que acompañar existencialmente a la protagonista distrajeron el foco escénico a lo clown todo el rato.

La mezzosoprano Guadalupe Paz debutó en un protagónico, el de Angelina. Su Cenicienta contó con bellas tonalidades oscuras, aunque algo disparejas. El instrumento vocal de Paz no maneja un vibrato adecuado para hacer correr el sonido por el teatro y a ratos se atora o se opaca, dificultándole las coloraturas o haciéndola abandonar el belcantismo y caer en la estridencia. Histriónicamente aún no encuentra suficiente soltura y no permitió olvidar que estaba debutando.

El bajo Noé Colín, con la experiencia de cantar durante varios años en teatros europeos, hizo de Don Magnifico un adjetivo para su desempeño. Gracioso y creíble, es una de nuestras voces graves más importantes a nivel internacional. No se quedó atrás el barítono Josué Cerón, como Dandini. Su “Come un’ape nei giorni d’aprile” fue prueba depurada de línea de canto, flexibilidad vocal y estudiado estilo belcantista.

El tenor colombiano Hans Ever Mogollón cumplió en su papel de Don Ramiro. No se trata de un heroico rossiniano a la usanza florezina, pero cantó con dignidad, incluso cuando se le disfrazó ridículamente de arbusto de osito. El elenco fue completado con buena factura por el Alidoro del bajo Luis Rodarte, la mezzo Gabriela Thierry como Tisbe y la Clorinda de Zaira Soria, joven soprano que dejó grata impresión escénica y vocal.

Al frente de la Orquesta y el Coro del Teatro de Bellas Artes (con dinámico trazo impuesto por Faesler y notable participación preparada por Maurizio Baldín), el francés Sébastien Rouland brindó una continuidad musical ágil, propicia para Rossini, y dio soporte eficiente a los solistas al entender sus tiempos.

Esta Cenerentola tiene un balance positivo y deja la impresión de que no es tan difícil alcanzar un nivel mínimo aceptable en lo que presenta la CNO. Pero quizás ese parecer fue sólo porque al término de las funciones aún era antes de medianoche, puesto que la calabaza seguirá ahí. Al revisar lo escaso que será este arte para lo que resta del año, la sensación de que se romperá el encanto no desaparece y ningún príncipe da color aún. En todo caso, con hadas o sin hadas, el único final feliz y aceptable será que la ópera en México deje de ser un cuento.

Pro Ópera julio-agosto 2010

2010-07-03T16:49:00.000-05:00

Salió la revista Pro Ópera edición julio-agosto 2010.

Bien.

Vienen varios textos míos, entre ellos esta entrevista con la soprano argentina Paula Almerares.

Hay que leerla. La edición también está ya en línea.

Tres versiones del Waka - Waka

2010-06-28T18:05:00.006-05:00

En 2010, como Himno Oficial del Mundial Sudáfrica 2010, en la versión de la colombiana Shakira acompañada por el grupo sudafricano Freshlyground. Más famosa ya que La donna è mobile y bajo el nombre This time for África -Esto es África, en español-, aquí está, en el videoclip oficial.

En los 80 del siglo pasado, Las Chicas del Can, grupo de merengue originalmente creado por Wilfrido Vargas, tuvieron su versión: El negro no puede. Aquí ya aparecía el hoy célebre estribillo.

En los inicios de esa década de los 80 del siglo 20, el grupo camerunés de makossa Golden Sounds, encabezado por Jean Paul Zé Bella, popularizó Zangaléwa, (aka Tsamina) que es una especie de crítica-parodia dirigida a un supuesto servilismo de su ejercito ante fuerzas colonizadoras y opresivas. Aquí el estribillo aparece, pero tampoco es original, ya que entre grupos de militares, policías, niños y scouts era conocido y cantado desde mucho tiempo antes, y probablemente contiene slang que permitía comunicación entre ciertos grupos durante la Segunda Guerra Mundial.

Golden Sounds estuvo en América en los 80 y seguramente sirvió de inspiración a Las Chicas del Can y, desde luego, a Shakira. Algunos han llamado esto plagio. Quizás más bien se trate de covers pues, en toco caso, hay referencias a por lo menos 20 versiones en todo el mundo que utilizan el Waka - Waka.

Jean Paul Zé Bella, para terminar con cualquier polémica que pudiera desprenderse, dijo sentirse contento y halagado de que Zangaléwa haya sido utilizada como himno para Sudáfrica 2010. Eso, al final, es lo importante.

El futbol como juego... de video

2010-06-16T01:00:00.000-05:00

El tema central de la revista Replicante, como podría esperarse en un mes mundialista, es el futbol soccer. Hay numerosas miradas a este deporte y lo que representa desde muchos ámbitos.

Yo escribí un texto sobre el futbol en los videojuegos. Creo que el tema en sí es apasionante. Disfruté, además, muchísimo al escribirlo. Por algo será. Aquí el link: El futbol como juego... de video.

Y muchos temas más pueden leerse en Replicante de este mes. Más abajo el boletín completo. Eso.

En su edición más reciente la revista cultural Replicante aborda el tema del futbol. A pesar de la avasalladora cobertura que tendrá el deporte-espectáculo en el próximo mes, la revista digital ofrece una batería de miradas divergentes a las que se encontrarán en la mayoría de los medios. Por ejemplo, Jorge Flores-Oliver presenta las agudas observaciones del escritor inglés Nick Hornby sobre el deporte más popular del mundo, en tanto que Héctor Villarreal analiza en su conjunto la televisión, los locutores, los hinchas y las barras bravas. La polémica crítica de arte Avelina Lésper muestra los vínculos históricos del futbol con el fascismo y Alberto Sánchez parte de Pasolini para pensar el futbol como juego y fenómeno. Por su parte, Pablo Santiago abandera sus mejores argumentos para detestarlo y Pedro Trujillo traduce fragmentos geniales del Dictionnaire passioné du football, de Franck Évrard. Una veintena de textos que exploran el apasionante tema a través del cómic, el cine, los videojuegos, la televisión, la mercadotecnia, el feminismo, el poder, la historia y más. En este número Replicante lanza Barra brava, un blog colectivo que seguirá de cerca los acontecimientos del Mundial con crítica y buen humor, mientras que en Resonante, el podcast semanal de la revista, también se seguirá de cerca con entrevistas y música de los países que participan en Sudáfrica 2010.

La redacción de Replicante considera, desde luego, que no todo es futbol. En la sección de “Política y sociedad” continúan las reflexiones sobre temas nacionales de la mayor relevancia. Odette Alonso inquiere sobre la muerte de Paulette Gebara y Guadalupe Beatriz Aldaco denuncia irregularidades y omisiones en torno a la tragedia de la guardería ABC a un año de distancia. Por su parte, Jorge Mendoza Yescas, del consulado mexicano en Tucson, explica el contexto de la Ley Arizona. Asimismo, en “Apuntes y crónicas”, Rodrigo Solís aporta su punto de vista sobre la desaparición de Diego Fernández de Cevallos; además, el testimonio de una mujer embarazada que cruzó a Estados Unidos huyendo de las autoridades mexicanas y una entrevista a Jesús “Choláin” Rivero, coach de boxeo de Óscar de la Hoya, quien les enseñaba a sus pupilos a leer a Shakespeare y a Marx. Entre muchos contenidos más, hay reflexiones sobre los filósofos cínicos, los tables dance de la Ciudad de México y los comechingones, una etnia prehispánica argentina.

En la sección de “Literatura” la revista digital se acerca a dos grandes y enigmáticos autores del siglo XX: Fernando Pessoa y Juan Carlos Onetti: un niño que vivió en la misma cuadra que el poeta narra la vida cotidiana del poeta portugués y Moira Bailey visita la obra y la vida del narrador uruguayo a través de sus cartas. Además, Manuel Iris entrevista al poeta surrealista brasileño Floriano Martins. También en esta edición hay numerosas reseñas sobre novedades editoriales , además de gratas sorpresas en los ámbitos de la narrativa y la poesía.

En la “Galería” puede verse la obra en video de Sharon Toribio, artista que ha mostrado su trabajo en museos y festivales del mundo. Rodrigo Ponce estrena un extenso cómic sobre la experiencia alucinante de un mexicano en una pequeña isla del Caribe y, entre otras muestras, está la del pintor Enrique Oroz. El ríspidodebate sobre el arte contemporáneo continúa en la sección de “Arte”.

Entre los columnistas de la revista, el politólogo José Ramón López Rubí pone en su lugar a losescritores metidos a analistas políticos; Carina Maguregui rememora la trilogía Qatsi de Godfrey Reggio y Philip Glass, y Héctor Villarreal propone la desintegración del territorio mexicano. En las quince columnas también se tratan temas como la literatura gráfica, la ciencia, el teatro, el periodismo, los libros y los nuevos rumbos de la música.

La nueva edición de Replicante está en www.revistareplicante.com. Puede seguirse como revista cultural Replicante en Facebook o como Replicantemag en Twitter.

Around the world

2010-06-16T00:15:00.001-05:00

Click To Play

En entrevista con mi tocayo el gran tenor catalán José Carreras. Es un ejercicio de edición en el que hablamos de su disco Around the world. Data de hace algunos años, por supuesto, pero me parece interesante rescatar este material. A Carreras lo tengo presente como un intérprete intenso y entregado. Recuerdo un recital notable que ofreció en Guadalajara, cuyo programa cantó de manera inolvidable y conmovedora.

Eso.

Navegando el Grijalva

2010-06-15T07:27:00.000-05:00

CAÑÓN DEL SUMIDERO, CHIAPAS - FOTOS Y VIDEO: JONOMERC

V AL CIELO

ÁRBOL NAVIDEÑO SOBRE PARED

CAMEO EN LANCHA

CASCADA PERFIL

AGUA PULVERIZADA

CASCADA DEBAJO

Alondra de la Parra: "No puedo vivir sin hacer música"

2010-06-14T18:53:00.001-05:00

Algunos amigos no tan cercanos a la música, pero que quieren acercarse, me han preguntado varias veces sobre la directora de orquesta Alondra de la Parra. Para responderles, de algún modo más extenso de lo que lo hice en su momento, recupero esta entrevista que le hice a Alondra hace algún tiempo, que publiqué en la revista Pro Ópera en 2009, y que también se incluye en una versión escaneada en los archivos de la página web de la directora.

Eso.

Alondra de la Parra:

“No puedo vivir sin hacer música”

x José Noé Mercado

Su debut en México, en Bellas Artes, en 2005, dejó en el público una grata impresión por el sonido limpio y redondo, sin porosidad, que su batuta logró extraer de la Orquesta Sinfónica Nacional, calidad que refrendaría ulteriormente, en años subsiguientes, en presentaciones en Guadalajara, Jalisco, y Xalapa, Veracruz. En noviembre de 2008, volvió al Distrito Federal, a la Sala Nezahualcóyotl, con su Orquesta Filarmónica de las Américas, como parte de su segunda gira Sin Fronteras.

El interés por ver a una mujer en el podio —fresca, simpática, bella—, acto infrecuente al menos en nuestro país, es grande y quizá similar al hechizo que produce su mano izquierda al dirigir, al dibujar las siluetas musicales llenando el vacío, pero en todo caso esos atractivos son menores al de presenciar su ímpetu artístico, estilo elegante y sensibilidad precisa, fusión que le da un balance particularmente logrado a sus interpretaciones.

A sus 27 años de edad, con la experiencia de dirigir orquestas de Estados Unidos, Argentina, Uruguay, Venezuela, Singapur y Rusia, en una charla sostenida en una mañana soleada, al sur de la ciudad de México, por el rumbo del Pedregal, Alondra de la Parra Borja relata que su acercamiento a la música fue gracias a sus padres, quienes, de niña, la llevaban a conciertos en la Sala Nezahualcóyotl, en Bellas Artes y en otros foros artísticos de la ciudad de México:

“Definitivamente, ellos me impulsaron al arte, pues en casa, igual, siempre escuchaba ópera y música clásica, aunque también la popular. Con mi hermano, incluso, solía cantar canciones rancheras a dos voces. Tengo voz de soprano, pero no se te vaya a ocurrir pedirme que cante. Aunque mis papás no eran músicos, su gusto por la música fue determinante para que yo me dedicara a ella”.

Durante su infancia, Alondra, nieta de la escritora Yolanda Vargas Dulché e hija del editor y escritor Manelick de la Parra, solía tomar los discos de acetato que encontraba en casa y así conoció muchas obras de Beethoven, Verdi, Brahms, Mozart y Bach. “Ya a los trece años me dio por meterme con piezas de Shostakóvich, Bartók y Stravinski, compositores que me fascinaron por completo”. Paralelamente, desde los siete años, inició sus clases de piano y luego también de chelo. “Lo cierto es que por ahí de los 11 o 12 años entendí que mi máximo sueño era ser músico. Cuando veía a uno, me decía a mí misma que moriría por comunicarme a través del lenguaje musical, algún día. Moría de ganas por decir: Yo soy músico”.

La decisión fue tomada y para alcanzar la meta era necesario que la directora de orquesta en potencia se disciplinara, como toda una profesional: “La disciplina es una facultad que no se hereda, ni es algo con lo que se nazca. En mi caso, tuve que hacer un esfuerzo súper consciente para cumplir con mis expectativas. Me impuse un horario que iniciaba levantándome temprano: tantas horas de violín, tantas horas de chelo y así. Diario. Al principio no podía seguirlo ni a la mitad, pero, poco a poco, pude”.

Al cumplir 15 años, Alondra de la Parra pidió a sus padres que la apoyaran, enviándola a la St. Leonard Mayfield´s School Royal Academy of Music, en Inglaterra: “Estuve friegue y friegue y friegue, hasta que me dijeron ya, vete. Para mí fue muy importante, porque, al estar aún en México, me preguntaba cómo iba a hacerle en lo profesional, si yo no venía de una familia de músicos, ni había estudiado música desde los cuatro años, siete horas diarias. Debía ponerme las pilas, porque además me costaba mucho trabajo ir a la escuela de siete de la mañana a tres de la tarde, llegar a comer a casa, hacer la tarea y después irme a mis clases musicales y luego regresar a dormir, todo en medio del tránsito de la ciudad, que me hacía perder horas enteras. Entendí que así no era posible dedicarme a la música, por lo menos no como yo quería. En la academia de Inglaterra podía hacer la secundaria (que en realidad eran sólo tres materias que pude escoger: física, matemáticas y música, pero con nivel de primer semestre de universidad) y estar en un lugar cerrado a lo largo el día, en un ambiente del todo musical, con compañeras que tenían la misma aspiración”.

Cuando regresó a la ciudad de México, Alondra ingresó en el Centro de Investigación y Estudios Musicales, donde continuó con clases de piano y composición. “Pero de nuevo: yo quería dedicarme cien por ciento a la música y aquí no me era posible. También experimentaba ya la necesidad de dirigir y no encontré ningún programa de dirección de orquesta que pudiera tomar. Por eso, me fui a Nueva York”.

De la Parra, quien se convertiría en la primera mujer mexicana en dirigir una orquesta en la Gran Manzana (y, posteriormente, en el Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina), estudió dirección orquestal, piano, teoría y análisis musical en la Juilliard School y después la Licenciatura en Música, en la Manhattan School of Music, donde igual cursaría su maestría. Sobre sus primeras experiencias en Estados Unidos, la artista entrevistada dice:

“Vincent La Selva, director de la New York Grand Opera, fue el primer maestro que tuve en Nueva York. Fue muy interesante porque me dejó estar en todos sus ensayos y, además, ser su asistente: dirigía los coros backstage en Aïda, Otello y Falstaff. Nunca nadie me veía, pero en Central Park hicimos toda la serie de óperas de Giuseppe Verdi y a mí me tocó estar en esas tres últimas del catálogo verdiano”. Pero La Selva no fue el único maestro de Alondra en el vecino país del norte: “Luego estuve con Kenneth Kiesler, quien sigue siendo mi maestro en un retiro de dirección orquestal, en Maine, y también he estudiado con Kurt Masur, con Charles Dutoit y, actualmente, con Marin Alsop, la mujer que dirige por todo Estados Unidos y es una maravilla”.

—Alondra, ¿cómo nace tu inquietud por ser directora de orquesta?

—Desde que estudiaba piano y chelo, mi sueño era llegar lo más alto posible, musicalmente hablando: saber todo lo que se pudiera aprender de música, comunicar y expresarme de la manera más vasta en términos musicales. Como al mismo tiempo asistía a muchos conciertos, me di cuenta que el director de orquesta siempre es como la cúspide de todos esos conocimientos, de toda la integridad musical.

Y es un reto tan alto que me rinde lo suficiente para la vida entera. A los 30, 40, 50 o 60 años de edad no podré decir soy directora y ya sé cómo se hace todo. No: imposible. Toda la vida voy a tener de dónde aprender, existirán nuevas piezas qué explorar, aspectos que una deberá corregir en lo personal o con los músicos para descubrir cómo puede funcionar de mejor manera equis o ye cosa. Por ello, me pareció que ser directora era un sueño, pero a la vez un gran reto.

—Desde tu punto de vista, ¿qué cualidades requiere el trabajo de un director de orquesta para cumplir satisfactoriamente con la música?

—Mucho estudio y autocrítica (ésta es necesaria porque siempre puede corregir o mejorar o hacer más eficiente algún aspecto que se proyectará en la interpretación). Tiene que poder comunicarse con las personas, eso es fundamental, y debe saber estar sola, porque en esta actividad hay que pasar mucho tiempo concentrada y con una misma. Obviamente debe tener buen oído, conocimiento de los instrumentos, de las técnicas de ensayo y de la historia de la obras. La lista de cualidades es larga, pero lo principal se resume en disciplina y autocrítica.

—¿Cómo se logra tener un buen oído? ¿Tú cómo lo has desarrollado?

—Creo que el oído se desarrolla desde temprana edad. A mí me lo desarrollaron mucho mis papás, sin darse cuenta, desde chica. Me acuerdo que una vez fuimos a una función de teatro musical y salí solfeando las notas de lo que había escuchado: al principio pensaron que estaba emitiendo notas disparatadas, pero luego comprobaron que, en efecto, cantaba las notas reales de la partitura.

Desde entonces, observé que este aspecto se me daba fácil. Pero no por arte de magia, sino porque mis estudios de piano y chelo se habían transformado en un lenguaje en mi cabeza, en el oído interno, que me permitía escuchar de otra manera. Las desafinaciones siempre me molestaban muchísimo, porque, si traes los oídos afinados, te saltan de inmediato.

Todo es cuestión de entrenamiento auditivo: estar sentada en un piano, escuchando solfear, oyendo la música dentro de la cabeza (que es lo más importante para un director), es decir, ver la partitura y oírla en tu cerebro. Una va desarrollando el oído para oír muchos sonidos simultáneos: primero oyes una línea, después dos, luego tres. Es una disciplina que, con el tiempo, se va ejercitando en la cabeza. Mi oído se ha desarrollado bastante, sí, pero me encantará platicar contigo en 5, en 10 y en 20 años, para contarte lo que oía ahora y lo que voy a oír entonces, porque es un proceso en el que siempre se irá creciendo.

—En la historia musical han predominado los directores de orquesta. En ese sentido, siendo mujer, ¿consideraste algún esfuerzo extra para llegar a ser directora? ¿En el medio te has enfrentado con alguna muestra de machismo o misoginia?

—No. Nunca me he cuestionado profesionalmente por ser mujer. He tenido (y tengo todavía) muchos otros aspectos de qué preocuparme, por ejemplo cómo mejorar mi técnica, mi entrenamiento auditivo, mi conocimiento o mi cultura musical, antes que preguntarme si por el hecho de ser mujer me harían caso o me darían las oportunidades. Imagínate: si me hubiera preocupado por eso, me habría quedado sentada en mi cuarto, sin hacer nada. No; más bien he pensado que si estoy suficientemente preparada, quizá, me harán caso. Si no tengo la preparación, seguro no me darán ninguna oportunidad, sea hombre, mujer, animal o cosa.

Por eso, ser mujer no ha sido ninguna barrera para ser directora de orquesta. Tampoco he padecido muestras de machismo ni nada parecido. Creo que si una es respetuosa con el trabajo y con las personas que trabaja, si llega siempre bien preparada, los demás lo sienten, igual que yo lo siento de mis compañeros, y así se puede trabajar muy bien.

—¿En qué consiste la particularidad que como directora tratas de imprimir al sonido, a la orquesta, a tu interpretación? ¿Cuál es el sello personal de Alondra de la Parra?

—Desde luego, el carácter, el sonido y el color de cada pieza varían según los factores individuales de esa obra, pero creo que el común denominador con el que me gusta trabajar parte de un sonido honesto, generoso y totalmente conectado a la imaginación.

La honestidad consiste en que todos entreguemos todo, sin importar a quién, ni quiénes somos, ni de dónde venimos, ni de qué color somos, ni en qué silla estamos sentados. La generosidad es obsequiar el sonido al público, a los camaradas, a nuestros compañeros y a la música en sí misma, compartiendo la imaginación, que es uno de los más increíbles recursos del ser humano. Ésa es la cara de nuestro estandarte como músicos, para tratar de comunicarnos con el mundo y es con la que a mí me gusta trabajar.

—En 2004, fundaste la Orquesta Filarmónica de las Américas para crear lazos musicales entre Latinoamérica y Estados Unidos: háblanos de este proyecto…

—En las escuelas en que estuve en Nueva York, trabajé con muchos chavos talentosos de diversas agrupaciones musicales. Pensé que sería genial formar una orquesta con toda esa paleta de gente joven, que toca con gran energía y, aparte, una técnica espeluznante. Por otro lado, desde tiempo atrás, yo traía la misión de promover más la música latinoamericana: ¿por qué siempre escuchamos el Huapango de Moncayo o Sensemayá de Revueltas, que son grandísimas piezas, pero no las únicas? También consideré la cuestión de apoyar a los jóvenes compositores e intérpretes, no sólo a los más famosos, para que la gente de Nueva York pueda conocer su trabajo y, en conjunto, crear un diálogo, un intercambio entre todos estos artistas, en una especie de espíritu generacional.

Con tales ideas se fundó la Philharmonic Orchestra of the Americas en Nueva York, y la idea es siempre programar música nueva y joven, junto a las piezas consagradas del repertorio. Y siempre con un espíritu de conexión con el público, de interactividad que quite ese estigma de que la música clásica tiene que ser súper seria, compleja, y por ello mismo solemne y aburrida. Actualmente estamos en un momento crucial de búsqueda de apoyos, de patrocinios, tanto en Latinoamérica, como en Estados Unidos, para poder continuar con nuestra misión. Yo confío en que habrá gente que visualice la importancia de todo este proyecto, se acerque a nuestra página en Internet www.poamericas.org y decida apoyarnos. Ya tenemos el régimen para que los donativos puedan ser deducibles de impuestos, pero, sobre todo, estamos abiertos a toda la ayuda y apoyo de cualquier tipo que se pueda generar.

—Escuchándote hablar, parecería que vives sumergida en la música. ¿Qué puedes platicarnos de tus otras facetas como persona?

—¿Como persona? Bueno, fui una niña muy inquieta, por eso, creo, hice de todo: tenis, equitación, tap, ballet seis años, natación, teatro en la escuela, gimnasia olímpica, en algún momento me dio por pintar… Pienso que lo que me ocurría es que me desbordaba por lo que hacía: una vez, por ejemplo, me dio por los caballos, y ahí me tienes, saltando. Me dio también por el tenis: sin tener ninguna facilidad para jugarlo. Pero entrenaba diario, cuatro horas, y, al final, pues sí gané un par de torneos, aunque no por mi gran capacidad o por haber nacido con una raqueta en la mano, sino porque me clavaba durísimo. Estaba en todo y en todo quería estar, de todo quería aprender, en especial de arte.

Después me di cuenta que no podía seguir con todas esas actividades, que era necesario priorizar y escoger. Y, en definitiva, la música era mi constante, por lo que me dije: Puedo vivir sin ser caballeranga o amazona, sin ser nadadora, sin ser actriz, sin ser tenista, sin ser bailarina, pero no puedo vivir sin ser músico. Ahí sí, no. No puedo vivir sin hacer música y con ella decidí quedarme para siempre.

Yo en el programa Encore

2010-06-13T23:45:00.003-05:00

Click To Play

Arturo Magaña Duplancher, en su programa Encore, Radio Mente Abierta, conversa conmigo sobre mi investigación-gran reportaje La Ópera de Bellas Artes en el sexenio 2000 - 2006. El programa es de 2008, pero igual es vigente para comprender lo que hoy ocurre en el ámbito de la lírica nacional. Dejo este espacio de charla y música, en todo caso, con la ópera en México como tema de fondo.

Eso.

Conacoolta

2010-06-12T22:11:00.002-05:00

Primero pensé que era una escena más en la realidad de nuestr@s funcionari@s culturales. Una suerte de cámara ocoolta en Conacoolta. Luego entendí que aunque en rigor no es así, de alguna manera, sí lo es, como en toda buena parodia. Después investigué que este es un genial y divertido sketch de Las VIP, interpretadas por Claudia Silva y Paula Sánchez. Dejo el video no más para ejercitar el buen humor. Que algo nos quede.

Carmen quemante

2010-06-08T22:10:00.018-05:00

Fotos: INBA/Conaculta

Mi crítica de Carmen en el Teatro de la Ciudad. No la había colocado, pero aquí está. Es vigente.

Igual quiero reparar un poco más en el retraso en la reapertura del Teatro de Bellas Artes. Primero, las autoridades, cuando presentaron el proyecto, aseguraron que estaría listo para una gala en septiembre de 2010, y que la remodelación costaría 400 millones de pesos y que no se incrementaría, como consta en esta nota de La Jornada. Luego, el costo de la remodelación se incrementó a 600 millones, es decir en un 50 por ciento. Bellas Artes sigue cerrado y ya van 637 millones, o sea un 59.25 por ciento más de la cifra inicial. Algo pasó: el presupuesto y las fechas se modificaron y nadie parece haberlo percibido. ¿Qué implica todo esto? ¿Alguien falló en la planeación? ¿En la ejecución? ¿Nos mintieron? ¿Hay responsables? ¿Real, realmente era imprescindible esta cirugía mayor de Bellas Artes ante la realidad de los grupos artísticos que ahí se presentan, del país?

637 millones de pesos, para ponerlo en perspectiva, equivaldría al presupuesto anual (de un muy, muy buen año) de la Compañía Nacional de Ópera, durante 25 años. ¿Qué no podría hacerse, desde el punto de vista artístico, con ese dinero? Para empezar, pagarle a algunos participantes de esta Carmen, algunos de los cuáles pidiéndome anonimato me hicieron saber que, al menos hasta hace unos días, sólo se les había pagado a los extranjeros y a algún mexicano. A los demás se les pidió su paciencia y comprensión, por el retraso de sus respectivos pagos, "pues financieramente también hay que sacar adelante Cenerentola". Sobre la remodelación, entonces, ¿para qué una cazuela y vajilla tan de primer mundo, si apenas tenemos pollo para cocinarlo algo qué comer?

Quemazones operísticas
Periódico El Financiero
Lunes 14 de junio de 2010
Carmen envejecida
x José Noé Mercado

Nuevamente la Compañía Nacional de Ópera decidió presentar la ópera Carmen de Georges Bizet, esta vez como parte de su temporada 2010, con funciones los días 9, 11, 13, 16, 18, 20 y 23 de mayo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la calle de Donceles del Distrito Federal.

Se trató una vez más del montaje cuya puesta en escena, escenografía e iluminación –en conjunto con Rosa Blanes Rex- corresponden a José Antonio Morales, con coreografía de Ma. Antonieta La Morris. La producción original data del 5 de octubre de 1985 y desde entonces se ha presentado ene veces en diversos lugares del país, puesto que es incluso sobreviviente de aquel incendio de una de las bodegas del INBA ocurrido en 2002 y del que, como de Camelia, la texana, “nunca más, se supo nada”.

Con los años, al verla sí o sí durante tantas temporadas, al recordarla con elencos integrales más afortunados que los de esta ocasión, al compararla y criticarla, al aspirar a una nueva, esta producción ha envejecido hasta la decrepitud. Apostar por ella durante casi 25 años quizás haya sido lógico por su funcionalidad. Pero de un tiempo a la fecha se volvió un recurso de programación fácil, sin propuesta. Es salir del paso, sin acabar de entender que inevitablemente las producciones artísticas, igual que por fortuna los malos funcionarios públicos, tienen fecha de caducidad.

Exenta de drama, previsible, paradójicamente interminable, transcurrió la función del jueves 13, con un público que no alcanzó para ocupar más de la mitad del teatro, lo que al tratarse de una Carmencita es significativo.

En descargo de los buenos días que vivió esta puesta en escena, de algunos momentos de belleza plástica como los del cuadro final, habría que reparar en el elenco: en rigor, en una de las varias combinaciones posibles al contar con dos solistas alternando los protagónicos –esa fórmula que Raúl Falcó, ex director de la CNO, bautizara como “promiscuidad vocal”.

La soprano italiana Veronica Simeoni, debutante en el rol, interpretó una Carmen de voz agradable, pero sin tener el personaje seguro. Con fraseos y movilidad histriónica incipientes, carente de fuerza o gracia y sin tocar siquiera las castañuelas en el segundo acto, el rol de la gitana le quedó notoriamente grande. ¿Por qué insistir en que la CNO sea centro de fogueo? ¿Quién gana con ello?

A riesgo de parecer nacionalistas bicentenarios (líricamente sólo eso nos quedará: la apariencia, ante el inminente retraso en la reapertura del Teatro del Palacio de Bellas Artes, que no estará listo en su remodelación para los festejos de septiembre como lo habían asegurado diversas autoridades), es preferible dar la oportunidad al talento mexicano para que gane experiencia y pueda desarrollarse, como ocurrió con el Don José de José Luis Ordóñez –el de Fernando de la Mora es indiscutiblemente de primera categoría- las Micaelas de las sopranos Marcela Chacón y Enivia Mendoza o la misma Carmen de Belem Rodríguez.

Cero chovinismos, pero al escuchar el Escamillo, de resonante registro grave y medio, pero de agudos decolorados, sin vibrado, calantes, del bajo-barítono español Rubén Amoretti, o la dirección concertadora del griego Ivan Angélov, sin particular chispa o imagen sonora al frente de la Orquesta y Coro del Teatro de Bellas Artes –más la Schola Cantorum de México-, es inevitable preguntarse quién arma estos paquetes de artistas extranjeros para insertarlos en la actividad musical mexicana.

Si aportaran algo desde el punto de vista músico-vocal a nuestro entorno lírico, si dejaran verdaderas virtudes o momentos de arte en este país, mal haríamos en no celebrarlo y agradecerlo. Pero no ha sido el caso. Esta vez hemos tenido una Carmen con una debutante que no sólo quemó el papel, como se le dice en el argot operístico al acto de probar un rol en un sitio en miras de cantarlo en otro de mayor envergadura, sino que también quemó de alguna forma a los que la trajeron.

Colima, México: Tanto tiempo

2010-06-02T00:45:00.000-05:00

FUENTE: Skyscrapercity.com

Colima, México: Tanto tiempo
x José Noé Mercado

Una sensación particular me invade todo el rato que estoy en Colima. Un sentimiento exacto que termina por materializarse puntualmente: me sobra tiempo. Mucho. En tal cantidad, que esta entrega de Mundo Crónico no esperará más. La voy a despachar ya.

Tanto tiempo sin tener tanto tiempo, me digo de a muertito, en medio de una alberca enorme y azul profundo en la que estoy solo yo.

Mientras el sol me quema, y eso sí que latea, me da por pensar que estoy probando algo en cierto modo prohibido: una droga dura en los tiempos que corren: o sea, disfrutando de un tiempo que no corre.

Segundos y minutos que no avanzan o se estiran cajetosos y diluyen ese jet cotidiano y cabrón que no nos deja estar en un lado, fijos: el estrés. Crónico y posmoderno compañero de existencia urbana.

Aquí estoy, en Colima, Colima, quieto. Y sin embargo me muevo. O quizás sea al revés: no he dejado de moverme, pero no voy a otro sitio. Como esas mujeres que desde los ventanales de un edificio frontal me miran manotear en el agua. Ellas hacen spinning. Aprovechan el gimnasio del hotel para estar en forma. Pedalean con fuerza una bicicleta que no las acarrea. Y nos parecemos no sólo en que escurrimos sudor, sino en que matamos el tiempo que un día nos matará a todos.

Pero me estoy adelantando. Y eso en Colima, por lo dicho y porque algo tiene de estado-spa, no aplica en rigor. Retrocedo, entonces. A un panorama verde intenso y húmedo que se deja ver por la ventanilla del avión aterrizante y contrasta, en apariencia, con la advertencia de mis contactos colimitas de que en su tierra hace calor. Harto. Compruebo que ha llovido y ante mis expectativas eso le da un toque sexy a la región presidida por esos enormes pechos 36-D que son el Nevado de Colima y el Volcán de Fuego. Pronto me desengañaré, pues esa humedad es nada de fresca. Al contrario. Abochorna, cuece al vapor.

El aeropuerto, que más parece una hacienda rústica o una finca hotelera, me hace esbozar una sonrisa algo desencajada por su nombre: Licenciado Miguel de la Madrid Hurtado. Esa triste figura que presidiera México de 1982 a 1988 y que hace unos meses despotricara no más contra su sucesor, Carlos Salinas de Gortari, acusándolo de corrupto y de robarse fondos públicos. El ridículo show continuó con De la Madrid desmentido, para empezar por su familia y el aludido, y dándosele chance por enfermo y senil. O sea, cueck. Humillado y ofendido, él mismo terminó por quitarle validez a sus declaraciones y a lo que quedaba de él, doble cueck, pero no su nombre al aeropuerto.

Cielo nublado. La hierba mojada, árboles y palmeras escurriendo pasan a mi lado, en realidad todo barrido a mi vista. Voy en una troca sobre una autopista que me llevará a la capital del estado, a Colima. A la inversa, la carretera lleva a Manzanillo, a Guadalajara y, nunca se sabe, quizás hasta Roma. El cristal de la ventanilla está bajo y el viento acuoso me friega la cara y estira la piel, pero en buena onda. Tipo lifting facial, gratis. Si no me estoy quejando.

Me instalo en un hotel de las orillas, puntualizando que en una ciudad pequeña como ésta lo excéntrico es casi el primer cuadro de una metrópoli de mediana dimensión. Tengo un par de camas matrimoniales en mi cuarto. Me tiro en una, luego en la otra. Revuelvo las sábanas de las dos. Televisión con cable y control remoto, internet wifi sin señal suficiente, lo que me cargará todo el rato. Me acaloro. Enciendo el aire acondicionado, lo malo es que tiene una sola velocidad. Si requiero incrementarla debo llamar a recepción y esperar que me envíen un técnico y uf: too complicated.

Decido almorzar en el centro de Colima. Así que tomo mi llave de tarjeta, salgo a la calle y abordo un coche taxi. Me queda claro que son baratos. “A donde vayas deben cobrarte 15 o 18 pesos, wey”, me previno días antes por chat una amiga colimita, “si te ven la cara y notan tu extranjería te van a cobrar 30. Pero ni se te ocurra pagar más de eso en la ciudad”.

Si bien parece que el tiempo no pasa, se percibe que el día envejece en la medida que el calor arrecia. Eso lo capto de a una en mi andar por el primer cuadro en el que recorro jardines —en uno hay una muestra fotográfica sobre oficios—, callejones donde se juega ajedrez, museos y casas culturales con diversas colecciones que no me interesan demasiado. De hecho, se ven tan vacías como el vuelo que me trajo aquí. Por algo será.

Y eso que me empeño en buscar alguna exhibición de monos como se les dice acá a las figurillas y demás vestigios de culturas prehispánicas. “Incluso cuando se compra un saco de arena para construir es probable que te salga un mono: en Colima se encuentran hasta debajo de las piedras. Son suertes”, asegura una mesera que me acerca unos chilaquiles con pollo nada regionales y una cerveza igual de sudada que la gente de este local de antojitos.

“Son suertes”.

Ésa es una frase que muchas personas dicen en Colima. Me da por pensar que encierra una profunda sabiduría. La escucho y la repito numerosas veces en mi estancia.

No es raro encontrar en el centro reducidos lotes baldíos que ahora funcionan como estacionamientos de a 7 pesos la hora. Antes fueron casas, en Colima difícilmente se encuentran edificios altos, que se cayeron en alguno de los numerosos temblores que azotan la región.

Los sismos han dañado incluso la Catedral y el Teatro Hidalgo, aunque ambos inmuebles ya han sido remodelados y ahora, con todo y su arquitectura algo provinciana que armoniza con el resto, lucen mejor de lo que eran. Entre los terremotos recientes se encuentran el de 1995 que originó un moderado tsunami en las costas y el de 2003, cuya intensidad, dicen algunos, sobrepasó los 9 grados Richter. “Mas como diversas construcciones públicas resultaron afectadas se bajó el reporte oficial a 7.6 grados. De otra manera los seguros no hubieran pagado ni madres”, me jura un vendedor de cocadas.

Rojo. Los conductores de vehículos detenidos sobre las calles no parecen ansiar el cambio del semáforo. Verde. Diez segundos después el primer coche de la fila avanza. Luego de otros cuantos segundos, el siguiente automóvil embraga primera y se pone en marcha. Y así, sucesivamente. Esto me entretiene. Es una escena en slow motion que no veo con frecuencia, acostumbrado más a la neurosis y ansiedad vial. En mi estancia en Colima no escucho un solo claxonazo. Ámbar. Rojo, de nuevo.

El agua de una piscina se desborda por un extremo hacia unas rocas algo artificiales y de ahí me cae como en cascada. Estoy a la sombra en una zona inferior menos honda, sin nada qué hacer. Regresé al hotel, bebo soda. Puesto que de pronto la gente comenzó a desaparecer de las calles, los pequeños locales que venden ropa cara y no necesariamente de primera calidad y otros comercios minoristas cerraron.

Los colimitas en general están tomando la siesta. Entre dos y cuatro de la tarde, se entregan a esa costumbre que según la Wikipedia consiste en “descansar algunos minutos (entre veinte y treinta... Aunque puede durar un par de horas) después de haber tomado el almuerzo… Presente en algunas partes de España y Latinoamérica, pero también en China, Taiwán, Filipinas, India, Grecia, Oriente Medio y África del Norte. Entablando un corto sueño con el propósito de reunir energías para el resto de la jornada”. Que conste entonces que Colima, después de todo, bebe de algunas prácticas internacionales que, para mala suerte de mi tutito, no son globales.

Otra costumbre simpática de los colimitas es que cuando llueve no se está obligado a salir a la calle para llegar a una cita y ni siquiera a avisar que no se acudirá. En algunos barrios en la zona baja de la ciudad se producen ligeras inundaciones y para evitar la travesía es mejor quedarse en casa o donde uno se encuentre.

Considerando los embotellamientos inevitables, el tránsito caótico, las horas perdidas y las mojadas lateras que las lluvias me han significado en DeEfe para ir a donde he quedado, de hoy en adelante asumiré esta práctica colimita. Así que si llueve no me esperen, ni me llamen. No cuenten conmigo porque no llegaré.

Foto y video: Jonomerc

Esto es el siglo 21 pero ahora estoy en el 1800, una especie de restaurante-bar-antro, cuyo comedor es un patio cubierto no en su totalidad pero de tan buena vibra que incluso se puede conversar pese al decibelaje de la música grabada. La noche lluviosa se cuela por esa franja lateral descubierta y le da un acento bello a un ambiente que tiene algo de freak desvencijado.

No estoy, por cierto, solo. Estoy a la luz de una vela con una personalidad tan imponente como el Nevado de Colima. Aunque Gabriela Alegría no es de acá. Es deefeña como yo —quizás por eso cumplimos nuestra cita, pese a la lluvia—, pero radica por estos rumbos del ponche de coco desde los 10 años de edad.

Gabriela Alegría es SV Princesa Gato, una especie de cibermito virtual que es “el tipo de persona que piensa que Paris Hilton es muy cool”, y que por lo visto, es también real. Gabriela Alegría, qué duda cabe, llegó a ser la blogger con mayor onda de México, con cientos y cientos de visitas diarias y una forma única de mirar el mundo o, al menos, su mundo.

La carta es curiosamente de cocina internacional. Hay de todo. O casi. Mi acompañante acaba de cenar una pasta que desprendía un aroma a queso sazonado irresistible y que por poco le arrebato. Yo pedí una crepa salada que igual contiene un queso fabuloso que me explican viene de alguna zona de Jalisco.

En el 1800 se puede fumar y sirven cerveza helada. Gabriela me cuenta la razón de que su blog ya no sea lo que llegó a ser. Se hartó de alimentarlo, simplemente. “Además, comenzaron a llegar weyes que no venían al caso. Dejaban comentarios que no tenía porqué soportar pues en el fondo ni siquiera entendían mis posts”. Eso me consta. Incluso algunos viejos tan decrépitos como verdes dejaban venéreos mensajes que provocaban violentos pleitos verbales con jóvenes provincianos sin provincia.

Mientras por los altavoces suena Michael Jackson con Billie Jean seguido de Katy Perry con un techno-remix mega bailable de Hot N Cold, sospecho, sin embargo, que hay algo de mayor fondo para ponerle la soga en el cuello a un blog tan exitoso y que sobre todo tenía una personalidad, una perspectiva. “¿Volverás a armarlo?”, le pregunto. “No sé, no creo. Igual ya crecí, wey. Si regreso no va a ser con pendejadas mil como las que bloguean otras que ya andan por los 30”.

Físicamente, Gabriela Alegría es la versión femenina sin sombrero del Willy Wonka de Johnny Depp y es de esas personas con las que es más probable quedarse sin cigarrillos —aunque se vaya bien surtido—, que sin temas de conversación. Estudió letras hispanoamericanas o algo parecido en la Universidad de Colima, una de las más grandes del país de acuerdo a la población estatal en la que se ubica. Escribe pero odia a los que se dicen escritores y posan. Hoy es coeditora de sección en el Diario de Colima. Está al día en muchos temas y, sin embargo, tiene ese encanto de poder hablar con ligereza de banalidades como sólo puede hacerlo alguien profundamente culto. Con ella se experimenta la sensación de estar frente a un ser en extremo inteligente, que siempre está midiendo situaciones, escenarios. Detrás de unas gafas con armazón ondero, sus ojos no se quedan quietos. Pero no divagan ingenuos, escudriñan el entorno. Escanean la realidad con el haz de su luz mental, lo que puede ser tremendamente sexy. Sobre todo cuando me escanea a mí.

Vine a Comala de pura onda, no más.

Y las cosas como son: Rulfo ya habló con maestría de una mítica Comala. De la Comala real, del Pueblo blanco de América, del Pueblo Mágico de México que está a 15 minutos de Colima, no es mucho lo que puedo apuntar.

El balance de todas sus casas pintadas de blanco y sus rojos tejados da un sentido de apacible alienación. Ahí se comprueba que toda magia es humana y que el minimalismo puede ser completamente rural.

Se come muy bien, bebiendo en los portales. Uno pide y paga cervezas de 40 pesos y con chamorros y demás botanas será agasajado, mientras suenan mariachis en vivo. Pero más vale ir acompañado para evitar la aburrición. Preferible acudir en banda para pasarlo la zorra de bien. Los expendios cierran temprano, tipo las 5 peeme. Aunque me dijeron que algunos bares están abiertos por la noche, pagué mis 100 pesos de taxi para regresar a Colima tan pronto como pude.

—Chilango, naco mil. No te ofendas, wey. Pero me das mucha risa —me pone por Messenger Gabriela Alegría.

Le conté que fui a la playa, ya por último. A El edén, que está a poco más de una hora de Colima, ya cerca de Manzanillo. Ahí no se baña por lo picado, pero se puede ir a contemplar un mar grisáceo y hostil de voz baritonal.

Aunque hay algunos locales de madera y palma seca pero mojada que despachan alimento y bebida, el lugar es un desierto con tierra negra en vez de arena. En El edén se puede acampar o tirarse en hamaca y esperar que se acabe el mundo, completamente relajado. Como lo más probable es que igual no se acabe, el visitante puede simplemente beber cerveza y probar que la relatividad del tiempo no es mera teoría.

El calor da la sensación de que aún al aire libre se está dentro de un baño sauna y abre el apetito. Para comer, en vez de platillos típicos como camarones empanizados, cóctel de mariscos o pulpo a la diabla, se me ocurre pedir carne asada, arroz y ensalada.

—Naco mil, wey —dispara de nuevo la Princesa Gato, y eso que no sabe que por inercia iba de jeans, zapatos deportivos y un jersey del Real Madrid, con el 8 de Kaká en el dorso.

Pero dice que es normal y me comprende, porque comer mariscos o algo del mar en el DeEfe siempre tiene riesgo. Y yo, ahora, soy un chilango con las mismas reservas en terreno colimita.

Aunque ya sólo por algunas horas, pienso. Al amanecer, y ya es de madrugada, debo abordar un avión pequeño y de hélices para volver a México.

El tiempo me parece que también está volviendo a su ritmo normal. Y ya va siendo hora. Se me adelanta, me atraso. Miro el reloj y empiezo a experimentar algo de nostalgia por Colima. Prueba inequívoca de que, en efecto, estuve ahí. Son suertes, nada más.

Hacia el horizonte

2010-05-31T18:21:00.000-05:00

Hacia el horizonte
x José Noé Mercado

Santiago es un periodista joven y alternativo porque no tiene nada de vaca sagrada ni siente admiración o envidia por ellas ni por los medios luminosos en que trabajan. Santiago cree en la libertad de expresión, pues fuera de modificaciones estrictamente editoriales sus textos nunca han sentido el filo de la censura y su labor periodística, si bien le sirve a él para satisfacer un algo interno, lo ha dispuesto para el bien común. Para informar, para explicar, para dar contexto. Incluso, para opinar con base en lo que está informado y sabe.

Sin proponérselo conscientemente, ha contrapesado el poder, ha dado voz a quienes no son escuchados. Si se dice pretenciosamente: ha ayudado a los necesitados. Y en eso es reconocido. Cuando reflexiona sobre su quehacer y acaso legado, siente orgullo y el medio en que trabaja le parece digno y ejemplar.

Aunque nada es para siempre.

Pasa el tiempo y, en uno de sus artículos publicados, Santiago sin querer queriendo afecta muchos intereses. Entre ellos, indirectamente, los del medio donde labora. Su hasta entonces reconocida labor periodística se vuelve incómoda. Cuestionada. Prescindible. Sus amigos editores dejan de ser amigables y le reprochan especulaciones, fantasmas personales e intereses extraperiodísticos en la motivación de su texto. El poder contrapesado encuentra la coyuntura pera golpear a Santiago, quien ahora se ve obligado a defender su propia labor periodística, su profesionalismo, su ética. En cierta forma, lo logra con facilidad.

Pero esta historia no acaba así de fácil. Se repite una y otra vez, con leves variaciones. Santiago se volvió el blanco de los poderosos de intereses negros. Por fortuna, no le dan. Aunque para cuando el cuento termina, Santiago está exhausto. Desgastado en su ánimo. ¿Todo este apaleo sólo por decir la verdad?, se pregunta. ¿Realmente dijo la verdad?, se cuestiona, ¿ésta existe? ¿No será que, en efecto, se la pasa hablando de espectros personales; que le gusta más bien especular en su trabajo?

Santiago capta que debe parar, poner stop a sus emociones porque cuando se le empieza a dar la razón a los enemigos, para llamar de alguna forma no a las personas sino a lo contrario de los ideales, de las motivaciones, de las razones de ser que abandera, uno ya se volvió enemigo de sí mismo. Es el principio de poner en jaque los principios. Así que corta, next. Pero igual se queda con una enorme pregunta: ¿tiene sentido ejercer así el periodismo? ¿Hay necesidad? ¿Quiere pagar el precio?

Santiago, desde luego, no es Santiago. Pero esta anécdota es real. Y permite ilustrar una realidad del periodismo hoy, en México, y que alcanza a cuestionar qué tanto puede fusionarse la teoría con la práctica del periodismo. ¿Hay, en rigor, un versus entre el aula y lo que hay periodísticamente fuera de ellas, entre el deber ser y el ser cotidiano del periodista, de los mass media?

Santiago me dice, respondiéndose más bien a sí mismo, que sí, que ejercer el periodismo vale la pena aun cuando haya que pagar ciertos peajes, porque es una necesidad del ser humano libre, de su sociedad. Pero Santiago también me cita a Milan Kundera, el novelista y ensayista checo, en La inmortalidad:

“El político depende del periodista. ¿Pero de quién dependen los periodistas? De los que pagan. Y los que pagan son las agencias publicitarias, que compran de los periódicos el espacio y de la televisión el tiempo para sus anuncios”.

“Así es que la lucha del periodista hoy, de su vocación, está en ganar terreno y resistir”, me dice Santiago. “En abrir caminos para apegarse a una conducta ética que le haga buscar la verdad, aunque ésta no exista sino en abstracto. Debe dirigirse a ella como se camina hacia el horizonte: sabiendo que no lo alcanzarás nunca, pero sin perderlo de vista en tu sendero. Y, sobre todo, aunque dependa de sus jefes editoriales y los medios masivos con sus propios intereses, el periodista como individuo debe aspirar a la independencia del poder condicionante. Y basarse en la verificación, en el rigor de los hechos, en la honestidad, en su preparación y profesionalismo. En la lealtad a sí mismo y al bien común y a sus principios. Pero eso suena idealista. No sé si eso esté en la agenda periodística. Yo no lo estuve y lo pagué. Para bien y mal”.

Write the future

2010-05-28T22:20:00.000-05:00

Esto no es advertainment en el blog, ni nada por el estilo. Sólo que la semana pasada salió el nuevo comercial futbolístico de Nike, en miras del ya cercano mundial de Sudáfrica 2010.

El anuncio, que se titula Nike: write the future, es realmente notable por su concepto traducido en imagen y jugadas futbolísticas. Un hecho no menor es que fue dirigido por uno de los cineastas mexicanos contemporáneos de mayor renombre: Alejandro González Iñárritu.

En menos de una semana, la de su estreno, el comercial rebasó en YouTube 10 millones de reproducciones. Y se sigue viendo. Lo dejo, más que para replicar la publicidad, por interés como cortometraje. Y por atractivo futbolístico, igual. No son pocas las estrellas que en él aparecen. Aquí la versión completa.